身體、風景與記憶的多重場景

在當今資訊迅速流動、現實與虛擬界線日益模糊的時代，繪畫作為一種創作語言，成為藝術家們探索自我、感知世界與重塑記憶的空間。此次展覽匯聚八位藝術家，他們以繪畫為核心，開啟一場關於身體、風景與記憶交織的多重想像，映現當代感知的複雜地景。

 

李秉璈的繪畫猶如一場不斷變動的視覺詩篇，畫面中層層堆疊著來自日常、網絡與記憶的碎片，彷彿進行一場圖像的考古發掘。他將繪畫視為情感與思想的存放之所，受David Salle的影響，將多元素材編織轉化為一種時代的視覺語言，期望與繪畫同行，開啟未知的對話與創造。

 

對徐立軒而言，繪畫是他與世界溝通的方式。透過錯位視角的建構，引發觀者感知的斷裂與重組。《愛的小手》系列混合了熟悉的物件與無限的想像，質疑虛實之間的邊界。在Neo Rauch的啟發下，他在空間與色彩中重塑記憶的輪廓與觀看的角度。即使筆停片刻，他也堅信，繪畫依然會在生命中再次悄然綻放。

 

同樣地，顏政豪的繪畫由劇場感、拼貼與層次構成，勾畫出身體的特殊性與精神的逃逸。他視人生為創作的延伸，無懼死亡，期盼如Henri Matisse般，繪畫到老。深受Michael Armitage藉由創作對社會的質疑，亦影響著顏政豪企圖在當今變動的環境下，建構出開放的詮釋空間。

 

郭俊佑視繪畫為生命同行的摯友，創作源自直覺的感受，從書籍、新聞媒體中汲取靈感，將之重組再現為非邏輯的趣味畫面。喜愛日本藝術家小林正人的作品。郭俊佑提到：「繪畫讓我有安全感，它能引導我察覺自己的呼吸。」期待創作陪他走向生命的終點。

 

對於陳玄玄而言，繪畫是一種無法言喻的情感與場景的出口。他的作品從日常的微光與精神的感知中出發。受Giorgio de Chirico、Francis Bacon 與Edgar Ende的創作啟發，她試圖描繪這個時代中，人與環境之間微妙的平衡，宛如物件般靜置，或如圖像詩般流動。

 

與此同時，謝衡將雕塑的思維帶入繪畫，視其為模擬與思辨空間的平面實驗場。透過光影與層次的變化，探索「物與觀看之間的距離」，而藝術家周育正的觀點影響他的繪畫之路：以跨媒材操控形式，以媒材探索觀看方式。對他而言，繪畫不僅是媒介，更是對感知、時間與材料關係的深層反思。

 

延續對繪畫的探索，操昌紘的作品有著細膩的日常視角，色彩低對比，氣韻如水墨般沉穩。對他而言，繪畫是一場不斷自我提問與表達的過程，他汲取當下與不同時期藝術家的靈感，如Edi Hila與Mamma Andersson，並希望繪畫成為生命自然延續的一部分，隨著感知變化而不斷展開。

 

最後，溫佳寧以另一種方式回應繪畫的可能性，他通過身體的變形與鮮豔色彩的碰撞，解構社會對性別與視覺的規訓，將繪畫作為一種無言的引誘，激發觀者的思考，而非提供現成的答案。融合酷異與坎普（Camp）的感性視角，呈現出荒誕與拙劣的精神面貌，受Otto Dix、Henry Darger、Kara Walker等藝術家的影響，她的創作成為自我表達與社會觀察的最佳語言。

 

《身體、風景與記憶的多重場景》不僅呈現出藝術家各自的感知與獨有語彙，更串連起從個人視角到集體記憶與社會觀察的視覺脈絡。繪畫既是承載，也是引路的媒介，帶領觀者穿梭於當下的表象、情緒與思想之間。