Iseult Perrault: Domestic Nature: Solo Exhibition

在台北的首次個展中，Iseult Perrault呈現《Domestic Nature》，這是一件以繪畫為核心的裝置作品，建立在一個刻意營造的悖論之上：人們試圖將自然景觀納入、收容的欲望，同時也承認自然終究無法被真正地掌控或封閉。展名本身即是一組矛盾修辭：家居與野性、室內與戶外、可知與不可抵達之間的交會。繪畫在此成為最理想的媒介--一個允許衝突並存的場域，使被想像的自然得以在受控的框架中完全顯形。

展覽由一系列壓克力畫作構成，皆採用相同的直幅尺寸（100 × 65 公分）。藝術家透過固定畫幅與電影感的水平懸掛方式，刻意模擬當代視覺文化中的標準化、重複性與數位消費模式。

畫布在此不再只是承載圖像的平面，而是一種介面--一個模組、一段視覺節奏，讓人聯想到滑動螢幕時，風景被快速吸收又立即被下一張影像取代的機械式節奏。

每一幅畫都是同一座花園的碎片，一座超越自身物理邊界、不斷向外擴張的花園。畫面中不存在單一中心視角，只有處於永恆生長狀態中的局部切片。將這些碎片串聯起來的，是一層在不同畫作間變化的藍色基底。它同時呈現液態與固態的特質，既熟悉又難以命名，暗示某種本質性的存在，卻始終不穩定。

 

這層藍色帶有魔幻、後自然、突變的特質，成為整個系列的視覺黏合劑，同時又確保每件作品的獨特性。它如同波動、頻率或脈衝，依據每張畫布所設定的條件進行調節與變形。

花園中的植物形態來自藝術家對自然的實地採集、對數位影像的擷取，並與虛構物種與合成圖樣相互混種。這些畫面並非自然的再現，而是對自然的重新編排。Iseult Perrault的繪畫不模仿自然，而是將自然小說化，藉此重新提問「風景」的意義。在此，虛構不是逃避現實，而是一種批判工具，用以揭露我們文化中對自然理解背後的人工性。

 

展覽的陳列方式延伸了這一概念。畫作以等距排列成一條連續的水平線，如同電影膠卷中的固定畫格。

 

真正的剪接由觀者的移動所啟動，產生近似定格動畫的效果，如同翻頁書。花園隨著目光的速度自行動畫化，而藍色基底在畫作之間轉變，製造出加速與演化的感受，彷彿風景正在翻閱自身。

 

Iseult Perrault將本展構想為一件繪畫裝置，使觀者被置於近乎全景式的環境中心，幾乎被風景所包圍，成為快速變異自然的見證者。這樣的自然狀態，呼應當代世界在氣候危機與後自然條件下不斷被迫適應的現實，也映照出一個更深層的掙扎：自然只能不斷適應人類仍允許它佔據的空間。

 

在Iseult Perrault的作品中，風景從不是裝飾性的背景，而是一場持續運作的思想實驗。在其中，魔法成為方法，重複轉化為節奏，而虛構則成為直面現實的透鏡，折射出我們的迫切、矛盾、失落與希望。