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One Piece Club:Two Generation

18.08.17 - One Piece Club:Two Generation

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兩代收藏|One Piece Club:Two Generation

撰文:黃琳軒

收藏的世界裡,除了理性的市場以外,底下隱匿著許多複雜的感性理由猶如水面下的冰山,有著更為深重的人性面貌,而這也是筆者撰寫此專欄最想傳遞的核心意念。冰山的下方涵養著親情、友情、愛情、對自己的思量、對意義的執著、對情感的定義,即使量體已如此龐然壯闊,人們卻不斷地試圖往冰心探尋,我們無法只是個崇高的旁觀者,必須得是個參與者、挑戰者才足以證明些什麼,但別忘了最重要的,尋進的必須是自我的核心而非他者的。

這篇專訪,有別於以往篇幅的一項特質為收藏中的「女力」傳承:一位女性收藏者是以怎樣的思維傳遞收藏這檔事?升格母親後、女兒長大後,這又是如何的轉變歷程?受訪者為曾春惠女士,在台灣各大藝術博覽會上的熟面孔,婉約的紮髮,典雅的穿著;以及大女兒陳思穎,一頭亮眼的藍瀏海黑髮,穿著散發重金屬搖滾狂熱者的氣息,究竟,這一對母女組合的訪談會迸出怎樣的火花!

第一件收藏

曾春惠回憶:「日據時期,祖父母的住宅是日式的庭院,由外到內分別是具禪意的枯山水、簷廊、和室、榻榻米與木製拉門,室內充滿著各式樣的藝術品收藏、還有當時稀有的舶來品擺設,這些就是我幼年的回憶。」若真要提到第一件收藏,曾春惠才恍然發現,第一件收藏原來來的如此不經意、全然地源自於情感。那是在成年後回到祖父母故居,當時祖父母已逝世多年,房子也成為廢墟,她從地上拾起一幅小時候天天都會看見的畫作,瞬間兒時的回憶排山倒海而來,當年祖父母對她藝術涵養的啟發以及共同生活的情感都維繫在藝術品上,而如今即使時空轉變,以為記得但其實遺忘的感觸,能如此被記錄、承載,那麼藝術品的價值就已超乎它所扮演的市場意義了,對於藏家而言,就成為一份珍貴而獨有的存在。
空間的呈現定義收藏的意義。餐桌邊的牆面是與女兒們溝通的園地、透明櫥櫃中存放的是旅程中的紀錄,在曾春惠的家中收藏的意義即是收納情感,將所有的念想化作實體,而收藏則是回憶與情感的存取資料庫。值得一提的是,女孩們擁有一間過去診所手術室所改制而成的房間,小編只能驚呼:超酷的!彷彿一連串的實驗過程、效應發酵等等在這間房間裡頭醞釀著,不論是創作或是收藏。大女兒JAZZ(陳思穎)是名藝術家,畢業於英國聖馬丁藝術學院,當藝術家收藏藝術家的作品,既是英雄惜英雄的情懷,亦是轉換觀看角度的一項思考,她成了日本浮世繪的大粉絲,收藏Tsukioka Yoshitoshi 1866年的作品「The Woman Kansuke Slaying An Assailant With A Sword」,即使是不同世代的作品,但對於JAZZ而言,浮世繪所表現的時代社會議題,具有神話故事般的色彩,如同她在藝術創作當中,自己同時扮演當局者與旁觀者的角色,既創建出自己的種族,又像是個吟遊詩人,以藝術的方式傳遞著跨時代、跨部族之間的故事。

母親帶著女孩們的選物行程

曾春慧說:「她們(兩位女兒)從小就跟著我到處走看,我常會問她們對於各式樣東西的感受、觀點是如何,小至一般的選物,大至對藝術品、對事件、對決定等等的看法,透過這樣的交流方式,即使她們是年輕人,但我們在思想上的距離是非常緊密的。」

舉例來說,將近十年前收藏藝術家王怡然作品「蕾絲辮」,一個身形姣好的男體,姿態慵懶地斜趴在我們眼前,未瞧見男兒身的正臉,穿著黑色半透明蕾絲的內褲以及擁有黑人辮髮。在同性議題還未有人如今日突破性的發聲之時,曾春慧已經將相關的作品收藏在自家,兩個女孩的視野是從小如此被開展出來的,女孩們在接受教育、經歷自我思辨的過程後,表達對於母親所走出的一套前衛風格相當的支持。直到女兒也擁有了藝術家的身分,曾春慧也因此進一步體會一件藝術品的辛勞產出,對於藝術收藏領域的投入更加不遺餘力,「藝術」也成為更為頻繁、可深入的親子對談話題。

打造收藏夢想屋

先從美濃的好山好水開始觀看起,會發現曾春慧打造的收藏夢想屋是如此地接地氣。架高的底盤、挑高的落地玻璃與具現代感的簷廊,南台灣的山景盡收眼底,大吸一口蘊含土壤、水、植物的空氣,全然地台式土地風味體驗。夢想屋一詞專屬於那些將夢中道路實踐的人,當你眼睛閉上,想像著推開房門,挑高的室內走道,一邊是即將為巨幅作品所預備的乾淨牆面,另一邊則是全面的落地玻璃,戶外景色、光影變化與室內作品面面相應,良辰美景好不勝收。

站在正在建築中的空曠房子,看著預備給三角鋼琴放置的空間,曾春慧笑答:「我現在才發現我還沒跟你們提過我的專長,我是音樂系畢業的。但你可能想像不到在建房子之前的這塊空地,是我每天戴著斗笠種出有機蔬果並且分享給鄰居朋友的地方。」不難想像,即使夢想屋建築完成之後,這裡依舊會是三五好友分享藝術的好所在!然而,能與如此空間、地氣匹配的又會是那些作品呢?我們獻上最真摯的期待!

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盧之筠作品

Jazz & mom 合照|背景是韓國藝術家崔旴嵐作品-Jazz媽新的收藏
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左 : 曾春惠|中國文化大學音樂學系
右 : 陳思穎|倫敦藝術大學中央聖馬丁 Art & Science碩士

18.08.17 - 2017 Art Paris Art Fair

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撰文/黃琳軒

Grand Palais」大皇宮展覽場域

2017.3.30-4.2Art Paris Art Fair在法國巴黎大皇宮(Grand Palais)盛大舉行,大皇宮為因應1900年於巴黎舉辦的世界博覽會而建造,臨近眾多很「巴黎」的地標:艾菲爾鐵塔、凱旋門、香榭大道。今年約130餘間畫廊參與,展出含括戰後到當今廣泛的藝術類型。

沿用德國所開創出來擁有巨型天窗的展覽場域,許多畫廊將大皇宮這樣的體質納入佈展的重要考量,善用日光使不論平面或立體作品都發揮到恰到好處,創造出絕妙的空間感受,打破既有可發揮的展板形式,彷彿是一場佈展的伸展台。Galerie Caroline Smulders以個展形式展出藝術家Tinka Pittoors作品,將場地佈成現實社會的日夢園地,翠綠假草皮在日光的照射下更突顯雕塑裝置有著甜膩可愛的色調以及隱蔽於現實層面的躲藏姿態。Galerie Philippe Gravier帶來Sou Fujimoto的《書森林》(Forest of Books)系列立體作品,不使用地毯直接裸露場地本身的水泥地,日光充足時令作品的光影能拙樸地踏實於地面;也不使用展燈、直接利用上方投影裝置的形體於展板上,夜晚時卻也能讓作品產生新媒體作品的展出氣質。Espace Meyer Zafra帶來藝術家Manuel Mérida巨型作品,粉紅、粉藍,像是沙漏般的圓盤裝置,在現場緩緩轉動,日光、光影、輪轉、彩沙粉流動,既俐落的機械感卻又感性柔美的創作能在展板型藝術博覽會現場展出,著實令人驚艷!

Africa Guest of Honour」國際主題─非洲

2012年開始,每年都會有一個國際藝術的主題,從俄羅斯、中國、東南亞到南韓,而今年的主題為「非洲」,由獨立策展人Marie-Ann Yemsi所策劃,包含20餘間非洲畫廊參與,展出新興一代非洲藝術家的作品,部份歐洲畫廊也於今年度的Art Paris主推他們所代理的非裔藝術家。精彩的是,還能觀賞到第56屆威尼斯雙年展辛巴威代表藝術家Gareth Nyandoro的巨型紙本作品,以及將於57屆威尼斯雙年展展出的南非代表藝術家Mohau Modisakeng的大型錄像以及大尺幅攝影作品,Mohau Modisakeng運用自己黝黑的身軀在極黑的背景畫面中去探索關於南非過往暴力慘烈的歷史,影像黑的極為深邃、冷靜,因而利用全黑、封頂區隔出能讓觀者可以進入如同小型電影院般的空間,無光害干擾地欣賞錄像作品,可見展出單位的用心。許多畫廊也會依據展出作品改造展板的隔板形式以及變更色調突顯作品的特質,讓觀者有踏入一境又令一境地的深刻感受,而非單純只是擺出作品的展示會現場而已。此屆Art Paris只有少數亞洲畫廊參與,大部分為南韓畫廊,以展出大色塊形式的平面作品為主。

PROMISES」新興畫廊與藝術推廣

Art Paris 藝博有個名為「PROMISES」的單位,致力於推廣新興藝術與畫廊,會選出12間新興畫廊(成立不到六年的畫廊)並加以推廣,而今年所選出的12間畫廊皆為國外(非法國)畫廊,分別來自象牙海岸首都阿比尚(Abidjan)、荷蘭阿姆斯特丹(Amsterdam)、哥倫比亞首都波哥大(Bogota)、斯洛伐克首都布拉提斯拉瓦(Bratislava)、瑞士日內瓦(Geneva)、奈及利亞的拉哥斯(Lagos)、英國倫敦 (London)、安哥拉首都盧安達(Luanda)、義大利羅馬 (Rome)

另外Art ParisThe Fine Art Collective合作,頒發L’ art est vivan獎項,這個獎項由一群極具熱忱的收藏家於2014年所創辦,今年由位於阿比尚(Abidjan) Cécile Fakhoury 畫廊所代理藝術家Dalila Dalléas Bouzar獲得。Dalila的公主系列(Princess)啟發來自攝影師Marc Garanger所拍攝阿爾及利亞戰亂難民營的女性,當時法國軍隊控制大量人口移動,為了身份證明迫使婦女在攝影機面前拿下面紗,那股詭譎感在歷經戰亂恐慌的女性面容被揭露後竄起,藝術家Dalila運用金箔、油彩與畫布呈現黑暗詭譎卻又華麗的女性肖像,隱涉自己身為女性所面臨的世代、社會、文化等諸多議題的回顧。

18.08.17 - A liitle bully boy, but a big story

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小混混的大故事A liitle bully boy, but a big story
 
撰文/王若鈞
 
電視裡傳來一個熟悉的聲音、捷運站海報上看見一個熟悉的身影,我想起了他的故事,要從三年多前開始說起。
 
曾是藝術雜誌編輯的我,因為工作緣故總是可以快速認識許多創作者。然而,真正成為「好朋友」,並在卸下編輯一職之後還會主動聯絡、持續關心的人,不誇張五隻手指真的數得完!不是這個圈子勢利,而是交朋友這件事大概就是這樣,隨著年齡增長難度也日漸提升,出社會後要交到知心好友更是難上加難,其實最好的狀態反而是「上班好同事,下班不認識」。
 
但也不知道為什麼,第一天見到他,對坐在20號倉庫工作室裡,聊不到兩個小時,我們就成為「自己人」,我的企劃需要幫忙,他連要做什麼都沒問就一口答應 ; 他突然火燒屁股了,我請三天假衝去台中協助佈展。
 
曾經翹課、打架滋事、混球間,一個不良少年該做的,年少輕狂時的他應該都沒少做。然而,真正讓我刮目相看的,不是他如何從小混混變成小鐵工(絕不用「藝術家」這個稱謂是我們養成的良好默契),也不是他的作品獲邀參加大大小小的展覽(當然作品總是真摯到令人覺得這個世界其實並不糟),而是他說的:「如果明天就是世界末日,其實我沒有遺憾!」
 
我瞪大了眼睛,想著這個小混混是哪來的信念?!而「社子島少年行」證明了他的確是一個不會讓自己後悔的人。
 
當他開始在社子島創作的那段日子,我們較為頻繁地碰面,有段時期明顯感受到他的低潮和疲憊,我總是毫不留情地說小我三歲的他看起來已是位大叔了,而且每一次見面都像老了十歲一樣,鬍子又長了一點,背又駝了一點,而他只是無奈地笑著,對於計畫的不順遂、學生們接二連三地離去,一律輕描淡寫地帶過,然後任由我繼續抱怨著自以為不公的一切。
 
直到看完「社子島少年行」的完整影片之後,才明白在那八個多月的時間裡,他所經歷的壓力和挑戰!回想起來真是慚愧,和年長的我相比起來,他展現了真正的強大。那一句「我是不會離開的」,讓我爆哭之後又多掉了幾滴眼淚。
 
他說,社子島和台北的關係,就像台灣在國際間的關係,雖然充滿資源,卻同樣位在乏人問津的邊緣地帶,同樣羨慕進步發展的地區,或許就是因為這樣,在社子島長大的這群孩子們對什麼都無所謂,鬼混逐漸成為一種生存方式。而他從單純的看不下去,到「令伯袂爽」的意氣用事,鐵了心就是想要讓這些參與計劃的小朋友們,知道做完一件事情應該有的堅持和態度。
 
在許多人的幫助下,用回收物件所打造的作品「G生蟹」誕生了,取自寄居蟹尋覓家園的寄生意象,在這個滿是報廢場的社子島,傳達可以利用現有資源開創新生的信念,而孩子們也要願意卸下武裝,才能看得到自己的樣貌,進而願意去幫助別人,隨著作品的遊行衝出社子島。
 
在情緒和緩之後,我打了通電話給他,我們不斷聊著「創作」的可能(不以藝術為前提來談論也是良好默契)。創作真的可以改變很多事情,只是端看我們要把它放在什麼位置上去做到真正的實踐,從改變一個孩子的態度,到改變整個社會的想法,有時候需要的只是更多的堅持。
 
他說:「堅持不代表一定會成功,但一定會有收穫。失敗沒什麼了不起,生路都是從失敗中走出來的,唯有堅定,才能比別人擁有更多機會。」
 
看吧,他還是一個帥氣的小混混。他是,許廷瑞!
 
#我朋友我驕傲
#你必須要看社子島少年行

18.08.17 - Documenta 14 – Learning from Athens

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德國卡塞爾文件展首次遠征向雅典學習(上)Documenta 14 – Learning from Athens

撰文 / 吳思薇

前言。

我所見到的卡塞爾

五年一度的卡賽爾文件展於今年於開展,每次都猶如太空船垂直空降這個在原本沒沒無名的小鎮,卡塞爾迷你的市區瀰漫的一股興奮的氣味。當地居民形色友善,假日時遇到年輕的學生詢問青年旅館的位址,竟就主動提供到自家休息中的診所過夜。在售票口領了一份Documenta 14的報紙,薄薄幾頁卻是觀展民眾的重要指引,其中將卡塞爾與雅典的展出地図標記,洋洋灑灑居然囊括了82個地點,並且加上為了這各自100天的展出,而衍生的基地改變,比如廢棄工廠的利用、或者新興的協作工作是在雅典遍地盛開,而在卡塞爾城中也開著一輛名為“船 (the ship)”的公車,被Pavel Brăila藝術家改造了觀景窗,猶如一艘小船每半個小時一班帶領觀眾看見他心中的卡塞爾。而展期中還有一個VolksRadio人民的廣播電台,讓全世界都能利用網路和調頻在某個意義上參與文件展。我造訪卡塞爾期間,幾乎無時無刻,都有限時發生藝術事件在城裡發生,然後結束,然後消失,彷彿不曾留下痕跡。坦白說,這個文件展太大,大到或許每一個參與的觀眾,所見到的展出,都會看見完全不同的內容,而如今我只能試圖捕捉其吉光片羽,向各位描述我所見到的文件展。

向雅典學習了什麼?
「向雅典學習 Learning from Athen」是今年的主題,回應2008年雅典的金融危機,不過五年過去,英國脫歐、美國選出川普總統、法國也險些走向極右派,五年間事情發生太快整個世界已經天翻地覆,雅典的金融危機已不是當前的題目,甚至比起後真相、新納粹、新法西斯、新民族主義人們最想討論的或許已經不再是前者。但是將卡塞爾展文件展降落至外地,卻還是件新鮮事。

還記得當歐債危機發生時,債築高台的希臘屢屢欠身,而債主國之首梅克爾則頻頻對希臘發出金融警告,要求當地政府採取措施緊縮經濟。這樣的背景下,身為文件展的主辦國,立下一個「向雅典學習』的標題,無論從何角度看,都能感覺到一種偽善的諷刺氣味。甚至雅典的在地藝術圈也滿腹疑問,德國到底想跟雅典學些什麼?由於希臘經濟不好,連帶著國家給予當地藝術預算也大幅下滑,對於雅典地藝術圈或許真正振奮的是,藉由這次展出,卡塞爾文件展將會帶著大筆現金進入雅典,Documenta 14的總預算是3億7千萬歐元,其中一半來自德國政府,而另一半來自售票及捐贈和贊助,而本次在雅典的文件展,希臘國家政府與雅典當地政府分毫未出。這到底是誰和誰學習呢?精確地問下去,要不過本屆的明星策展人Adam Szymczyk卻說,他無意藉由藝術提供希臘經濟上的實質協助,並且面對許多批評者指出這樣的展出內容雅典本地協作不深,根本不必在雅典也能發生的聲浪,他也回應,他主要關注的並非雅典這個藝術現場,更多的是雅典這座城市的有機狀態。無論這位想要隱身卻再再成為目光焦點的策展人心中到底有何盤算,旁觀者卻從幾個事件看出些矛盾的端倪。

“雅典是新柏林 Athen is a new Berlin”

這句謠言像細語一般在雅典展場發酵。
這在柏林人的耳裡聽起來確實有幾分怪怪的,其實背景又得快轉回希臘歐債危機,店家間間關門,雅典的房市一瀉千里,便宜的住宅與無人聞問的房產,又再度成為藝術家的寄居之所,替代空間與合作藝術工作室在近年的雅典如雨後春筍般大量湧現,而當這個現象為人所知,士紳化的危機也接踵而來,狹帶著文件展的開幕,Airbnb上的房價也水漲船高,與之緊係的餐館、民生物價也跟著抬高,但其實雅典並未因為文件展真正的改變其經濟結構,普遍的薪資與工作機會也只是暫時提高與出現,在文件展的大浪一過,在雅典還會留下些什麼?

而今年也是Documenta第一次在他國平行舉辦,雅典策劃之時,對於展場的工作人員invigilators/藝術勞工 Art labor,策展方承諾會將給予與卡塞爾當地同樣的薪資€9/hour。但兩週以後,團隊出面宣布之間有所誤會,雅典當地的薪資卻被下修到€5.62/hour但被承諾將在未來有升遷希望。這項改變也被認為策展團隊的操作手法實際上更是與新自由主義的經濟模式相符,對於這個策展的政治不正確的疑問也如雪球般越滾越大。

(待續)

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Ibrahim_Mahama | Check Point Prosfygika

18.08.17 - Fluttering Scene

CHA1722-03|張驊|室內植物|91.0×72.5cm|2015|油彩、畫布oil on canvas
張驊|室內植物|91.0×72.5cm|2015|油彩、畫布oil-on-canvas

浮動景緻 Fluttering Scene|張驊個展Chang Hua solo Exhibition

撰文/張驊

對於眼睛所「看到」的事物,我們是如何「看待」的?

真實的形塑
Shape into reality
人們對事物的構造與形體的判斷往往來自於過往的經驗與所見所聞,例如:我們會怎麼描述一幅深印於腦海裡的風景。若要拆分描述背後的建構,大抵可以分成兩件:外在實際樣貌與內在的理解認知。以外在言,當我們觀看風景,實際風景會倒映在眼裡,呈現其真實景象的樣貌;但以內在言,我們不可能僅僅只是觀看──因為「觀看」本身就帶有觀者對風景的主體意識。也就是說,人們觀看風景影像的同時,也會以「過去」對風景的「認知」加以理解,將現實所見的風景呈現於內心。影像與認知中的畫面,使我們的「所見」與「感知經驗」相互緊密地交融並形成一體,觀者從錯綜複雜的認知系統中勾勒出對於「真實」的輪廓,透過回溯記憶與感覺的過程,反覆地調整(認知系統)而化作個人經驗(真實的輪廓)。這些「真實」乃因人而異,因為觀者的內心映射是將心中各段浮動而不斷變化的視覺切片相互組合後,而逐漸成形成全新的視野。因此,即使是同一時空的風景,人們也能開展出多元而豐富的討論,透過「所見」與「感知經驗」,人們對所見或理解的「景緻」開始有了更深化的詮釋。

浮動,有機體,意識
Fluttering, Organic substance & Consciousness
本系列作品所要展現的,正是「景緻」如何在人們的觀看與經驗中「浮動」。將以多面向的繪畫性、強烈的質感記號、具體卻抽象的顏料團塊在畫面上游移和多維度的空間彼此相互交疊來展現。其中,多次出現的結晶體具備有機造形的特質,透過多層次的描繪方式及油畫顏料的反覆曡染,化作多變的造形結構,例如:水、植物、土壤或特定物件等不同形式支撐畫面。觀者則因畫面上造型、色彩、明度對比、虛實再加上不同的觀看距離而產生微微的視覺浮動。此外,本次展出也試圖透過繪畫的痕跡比擬回溯記憶的過程,以重複描繪、重複質感記號作為反覆思考。整體畫面富含寧靜的特質卻充斥著大量怪異的景物,例如:質感與造型異化的物件,空間錯置、畫面斑剝、顏料的堆疊和紛亂的圖像疊合。人為的繪畫性與顏料的自動性成為如同記憶中的模糊區塊,擾亂或改寫既有造形認知,看似偽裝良好的結構與風景顯得格格不入。不只如此,場景被隨之而來的顏料團塊、皺褶、黑色線條、強烈質感和躁動的結晶體劃破,這些被具體化的抽象元素將試圖展現人們浮動的思考是如何成為景緻中的主體意識軌跡。

倒影,浪,岸上主體
Reflection, Waves & Subject on Shore
當代影像的發展已逐漸顛覆人們對事物的既有認定,進而成為新的建構現實認知的方式,更甚者,在虛擬實境(VR)、擴增實境(AR)等成像技術能精確地喚起觀者經驗感受與時空的同時,現實/虛擬的邊界被打破,虛實相互交融使人對於表層的「影像」真假難辨,才需要人們積極思考並建構意義。本次展覽:「浮動景緻」不單只是傳達人們如何回溯記憶的過程,更試圖展現現實、影像與主體經驗之間存在的意義浮動與流動。約翰・伯格曾說:『我們只看見自己凝視的東西。「凝視」是一種選擇的行為……我們關注的從來不只是事物本身,我們凝視的永遠是事物和我們之間的關係。』對於同一客體,不同主體將會因為不同的認知經驗而得出不一樣的意義,然而,就是這樣的落差得以將既有認知結構加以編輯,重構一多面向的畫面。

18.08.17 - Atypical Human

陳逸云|病著唄 - Playground

非典人類 Atypical Human|陳逸云、郭城、宮保睿、長谷川愛顧廣毅林沛瑩

文章編輯整理/㗊機體

近年人類社會由於許多前端科技的高度發展開始產生劇烈且快速地變化,人類不斷地想要藉由科學與科技探索未知世界,但這些科技的發展卻往往伴隨著許多未知,甚至衝擊了人類社會原有的價值體系,所有對於本質的思考都可能因為前端科學的推進而產生了需要重新定義的需求。首當其衝地就是我們作為人類這個物種,對於自己身為人類的定義也開始變得模糊,如果連自己的定義都是未確定的,那麼我們所感知到的所有事物是否也需要被重新定義呢?

微生物學的發展讓我們知道人體內有著各種各樣的細菌與病毒與我們共生,那這些微生物也是人類的一部分嗎?醫療科技的進步讓我們能夠改善疾病的痛苦,甚至重新思考什麼什麼樣的狀態是疾病,甚至許多原本被視為疾病的身體也不再被認為是不正常的狀態。舉例來說,人工生殖、基因工程等等的生醫技術都大幅改變人類面對生命的誕生的刻板印象。除了人類本身,我們也透過科學研究去探索人類與自然中其他生物的關係,許多動物可能蘊含了人類所需的重要資源,人類也試圖想要介入其他動物的生活,種種物種間的關係都隨著科技在不斷地改變。

此展覽的參展作品皆試圖藉由對未來世界的想像,去探索前端科技對人類定義的影響,同時藉由這些作品去思考人類社會在這些科技的發展之下所產生的倫理問題。這些作品利用各種科幻想像與虛擬世界的建立,嘗試帶領觀眾去體驗受前衛科技影響的未來世界的各種面向,讓大眾可以用另一種角度經驗科學與科技,並對於其中所延伸出的社會議題與文化現象進行更多的思考與辯證。

此次參展的藝術家的創作常於新媒體藝術、藝術與科學、生物藝術、思辨設計等等不同領域的展覽或活動中出現。這樣的創作形式近年新興於世界各個重要的科技藝術、前衛設計的雙年展、藝術節等等場合。其重要性在於這樣的創作手法有能力帶領觀眾去體驗很多當代藝術以及傳統設計領域無法編織出的敘事,而這樣的創作往往不只是物件的展示,更是需要結合工作坊、劇場表演、當代舞蹈等等實際的參與式活動讓觀眾參與,這種更為直接且純粹的經驗成為了一種探索烏托邦世界的很好的工具。台灣近年少有此類型的作品展出,因此希望透過這次展覽開啟這樣的作品與台灣地區更多對話的可能性。而此次展覽中的創作者皆為亞洲藝術家,因此在他們的未來敘事中更反應了不同於歐美西方世界中這類型作品的觀點。

除了展覽之外,參展藝術家會與伊日藝術空間與TW BioArt台灣生物藝術社群合作共同舉辦數個工作坊,像是「生物技術工作坊」會帶領學員用創意的方式去實際操作生物科技的技術,藉此去體驗科學與科技的文化面向;並透過「世界建構工作坊」讓學員能夠學習如何透過敘事與情境的建立,去探索未來的不同可能性。

合作單位介紹:TW BioArt 台灣生物藝術社群

http://bioart.tw/

TW BioArt是一個生物藝術的社群組織,以激發台灣地區的生物藝術與科學藝術實踐為目的,並與國際其他地區藝術與科學創作者對話。目前社群活動主要是網路上的資訊分享,以及不定期的實體聚會與交流,如DIY細菌培養工作坊、組織培養工作坊、幻想生物討論會、國際創作小聚、演講、藝術與科學人speed dating。藉由社群作為平台,除了提供生物藝術交流的機會之外,也群聚了一些多領域背景的參與者,漸漸產生一種不同領域與文化交流後突變的可能性,如科學與藝術的跨領域結合、生物技術的應用、文化性的科學評論、與文學式的科幻奇想等。

 

 

18.08.17 - Unreal Spaces

GTZ172901|Guim Tió Zarraluki|Boat |22×27|oil on linen|2017
Guim│Boat│22×27cm│2017│Oil、linen

虛妄之地 Unreal Spaces|金.提爾.撒拉路基個展Guim  Tió  Zarraluki

撰文/蘇泳升

西班牙藝術家金.提爾.撒拉路基(Guim  Tió  Zarraluki)自2013年與伊日藝術合作舉辦首次亞洲的個展迄今,專屬於金.提爾的獨特旋律在心底迴旋著,金的雜誌系列深深地烙印於每位觀者的腦海中,並留下深刻的印象。2016年金於伊日藝術台北空間的展出“Present”,多年來金與伊日藝術之間培養出良好的創作默契,讓藝術家在伊日空間嘗試不間斷地面對自我的探索,以及挑戰著美學的多種可能境界。今年8月他將在台中空間舉辦 “Unreal Spaces” (虛妄之地)個展匯集其這一年多以來的旅行與生命經驗。藝術家期望帶領大家再度沉浸並翱翔在他所創造出的那麼一點理想、那麼一點令人奢望的平靜虛實空間。

或許你也曾想像過山的顏色是紅色;天空的顏色也是紅色,我們都曾經擁有並沈浸於屬於自己的虛妄之地。畫中的人臉沒有承載表情,也刪去了人類的本質情慾,單單是創造出與現實認知落差相左的空間色調。這當中也蘊含著想令人一探究竟寂寥的虛幻氛圍。在新系列的作品,畫面中的風景大多都是金的私自祕密幻想,也描繪出他與好友們的生命經驗。而這其實來自於藝術家對於藝術創作的自我堅信,有著深厚的連結。金透過創作紓解了個人在面對現實事件與現今社會的真實壓抑。也讓“虛妄之地”成為一個蔚為內心想像、內在渴望的理想世界。

而近期金的創作受到美國藝術家愛德華·霍普(Edward Hopper) 的創作啟發,其以描繪寂寥的美國當代生活而聞名。包括有銳利的線調和大幅的塊面;畫作中詭異的燈光(非正常的日光、多為人造燈光;如日光燈)是其特點之一。藝術家霍普企圖在平凡的主題場景,如加油站、汽車旅館或一條街上,添加寂靜的情感。金援以這份如愛德華‧霍普式的集體寂寞,描繪出冷冽,卻不令人感到淒涼。因為它們迴響出我們心裡的哀傷,減輕觀者被哀愁迫害、圍堵的感覺。而金的作品省略了人物本身的情緒,沒有憂傷、快樂、忌恨、喜悅,作品中顏色的搭配與組合,以自身觀點來理想化眼前的視野,而顯現其獨具特色的抽離色感。身而為人,我們總是在壯闊的自然景象與在災變,才意識到「人」的渺小。建構在這樣的觀點下,金的作品在在的將人的無所感對應出萬物萬變的巧妙對比。是因在我們所身處的當今現世對應在藝術的視野當中,任何事都可以發生,哪怕是光怪陸離、都將習以為常。

GTZ172902|Guim Tió Zarraluki|EI bany |27×35|oil on linen|2017
GTZ172902|Guim Tió Zarraluki|EI bany |27×35|oil on linen|2017

18.08.17 - Collector – untitled

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收集者 Collector – untitled|鄭先喻個展 Cheng Hsien-Yu solo exhibition

撰文:鄭先喻

此次於伊日藝術台中空間展出的《收集者Collector -untitled》,將展出台北數位藝術獎與高雄美術獎新媒體組的獲獎系列創作。作品多為電子裝置、軟體有機物實驗性原型主。目前專注於自體能源收集研究,將其應用於未來的作品,創造出可以自體生存的半電子裝置。近幾年來所創作的系列作品,也重新回過頭談「收集」概念。如何在藝術家的創作中透過回收主義(Recyclism) ,進行改造廢棄電料與物料去審,視人在科技產品消費時代的生活與傾向。
回過頭來說,「收集者計畫」是鄭先喻於2009至2013年間在荷蘭生活時,給自己的創作規範。其以低限的經費並且運用電器回收材,料去創作符合理念的作品。也因為當時於實驗室工作的關係,讓他習於使用快速開發原型的方法去實踐,最後的成品都近乎頹廢表現的電子裝置風格。無論是作品〈肖像Portrait 2011〉,那僅在人們背後哭泣的機械臉孔;『 Afterlife Ver. 2.0 生命的來來去去 』藉由收集現場蚊蟲生命來啟動遊戲的裝置,去探討人類對於生命大小與價值觀的特定詮釋與認知 ;作品〈肖像Portrait 2013〉則運用88組二手舊型滑鼠,讓不同使用者可同時操控並且點擊,去暗示網路世界話語與權力的搶奪 ;〈肖像Portrait 2014〉則透過二手的廢棄音響卸下丹堤,重新透過高壓電去轉譯不間斷的聲響與動態。
藝術家藉由〈收集者 Collector〉這樣的概念,去敘述的不只是作者自己的收集行為,亦透過將電子機械所組成的物件,擬人化進一步實踐收集的行為。也就是說在作品製作的觀念上,藝術家以物件本身去創造重複性、收集性行動。去探討人類思維如何在社會中運作,心理意識如何透過難以察覺的微小行動被展現,再到機械與數位產物軟、硬體之間的關係。

18.08.17 - Sticky Dream

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黏夢Sticky Dream|蔡玉庭個展Tsai Yu-Ting solo Exhibition

撰文/郭書殷

「正在包一件別人的作品,但氣泡布在中間破了一個洞,我怎麼轉都無法好好的包住它。」1
那天夢到了正在包一件2號作品,它的氣泡布很美,可是卻在正中間破一個洞,好想把這個洞遮起來,但不知道為什麼,遮都遮不掉,我一直不停地轉著氣泡布、轉著作品,不停轉著轉著…

「如果可以收集世界的葉子,就能策一檔最美的月亮展!」2
那天夢到了走到家門口外的花圃,那天的花圃有好多不一樣的葉子,正當我在修剪植物時,有個聲音說:「如果可以收集世界的葉子,你就能策一檔最美的月亮展!」場景瞬間移轉到葉子世界裡…

「身為一位專業的藝術行政,身上怎麼可以沒有奇異筆?」3
那天夢到了在佈展中的展場裡,正與一位藝術家對話,原本是一同討論著作品,但他卻突然找起筆,於是我馬上遞出身上的奇異筆,並得意地說著:「身為一位專業的藝術行政,身上怎麼可以沒有奇異筆?」

「我在39元與49元的搭配間猶豫著」4
那天夢到了在便利超商看著架上的39元和49元早餐組合,有布丁、有牛奶,該選哪罐飲料,該選哪樣食物?為什麼要猶豫?好猶豫好猶豫…

什麼是現實?什麼又是幻想?沒有什麼對話的情節、沒有什麼複雜的結構,時而迷離徜恍、時而昭然在目,藝術家以自然且自在的口吻述說這些夢。無須用精神分析學家佛洛伊德的結構理論探討,直覺地將夢的靈魂與本質引出,讓觀者透過視覺感知及身體感知自在穿梭在夢境與現實之中。本次展覽藝術家蔡玉庭將展出的十二個夢境大致分成兩部分,一是與藝術創作相關的夢,二則是日常生活裡的夢,每個夢皆自有其獨特性質,用物件連結靈魂,讓創作走回夢境。

日常裡常會迸發一種感覺,猶如這件事、這個景、這些人都在夢裡曾經相遇過,而我們正在經歷那段夢裡似曾相識的場景,這些似曾相識的既視感或許會讓當下的我們感到些許惶惑,但理智又會告訴我們這一切都是新鮮的,可是記憶告訴我們這一切都曾經歷,突然之間,似乎感受到了什麼……

蔡玉庭以創作者、學習者、協助者、教學者…等多重角色開創他的藝術之路,也因為這樣多重身份的關係,讓她漸漸發現自己的夢時常是跳脫常理且充滿新奇。從2011年開始的幽靈軟件系列到這次個展的【黏夢】,她的創作由日常物件到近期的夢中物件,將更多重心放在關於日常與夢境的物件連結關係上,透過不停地捕捉及擷取自己的夢境來實踐一位說夢者的日常考察。她的夢乘載著日常裡的各式慾望,透過藝術表現來探討關於夢境那些形而上的世界。本次展覽歡迎各位觀者一同以各自的感知來研究夢、述說夢。

黏夢
夢境裡上演著人生三分之一的那場說不清也道不明的故事,這些故事總是不按牌理出牌,但它卻又遵循著最日常的思考運作著。一件件曾在夢裡出現的物件,透過無酸樹脂的拓印,形塑成那些穿梭在現實與夢境之間的時間記憶,並具體稱之為「幽靈軟雕塑」;再透過錄像作品呈現出夢境幽微而奧妙的氣場。大部分的夢也許按照科學研究所說,早已被我們忘得無影無蹤,但有些夢卻自始至終帶著強烈情感及影像一路伴隨我們經歷所有的成長過程,因此展名【黏夢】不僅是用樹脂黏夢,更是記錄著一年又一年的年夢。

你不能做我的詩,正如我不能做你的夢5
胡適《夢與詩》中第一段寫道:「都是平常經驗,都是平常影像,偶然湧到夢中來,變幻出多少新奇花樣!」藝術家的創作就像胡適所說,將日常的經驗與影像進行任意的拼湊與連結,形成變幻而神奇的樣態。就因為做夢和創作是如此的相似,同樣反映著現實到不了的地方、說不清的故事,也因此特別讓藝術家著迷於夢的表現。在《夢與詩》的最後一段寫道:「你不能做我的詩,正如我不能做你的夢。」蔡玉庭將自己的夢實現成藝術品,用了自身經驗及日常影像完整呈現自己對夢的想像,與其說她是一位說夢者,不如說她是一位擁有強大魅力的妙語說書人,道著一段又一段奇異故事,等著大家一同感應共鳴。

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18.08.17 - Re-Die

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死在展場Re-Die|寧森 Ning Sen Solo Exhibition

撰文/郭書殷

哲學家海德格(Martin Heidegger)曾說:人是「向死亡存在」(sein zum tode)的此在者。彷彿,人若不是為了死而活著,至少也是向著死而活著。1

因為外婆的一場病,讓藝術家寧森思考「在預知了自己的死期後,你還能活多久?」死亡,是禁忌的、孤獨的、遙遠的、未知的、恐懼的…,但若死亡是一個公眾性的八卦?也許是幽默的、生動的、親密的、公開的、平靜的…?

編:「死在展場」的死,是動詞或名詞?何謂死?
寧:死之詞性由觀者決定。在展覽中,觀者透過虛擬實境參與自己的死亡現場、與屍體共舞、求死之籤、觀想死亡九個歷程…… ,隨機體驗、撰寫、觀想自身與他人之死,可能是肉體、精神、關係的消逝與斷裂。然而,這並非是生命的終點,更像是生命的一部分,是我們都將經歷的一場遊戲。

編:過往的創作皆從自身與他人相處的故事為起點,這次也是嗎?
寧:由於外婆被醫生判死刑,這個契機讓我從死觀活。她癌症末期,全家都知道外婆只剩兩週的生命,除了她自己,因爲她聽不懂國語,不知道醫生說了什麼。疑惑地走出病房後,看見康復的病人送醫生答謝禮,她還對家人說:「我那好啊,我嘛要來送禮,好好多謝醫生!」沒想到,外婆就在「只是肝不好,所以肚子積水」的言語包裝之中活到現在,遠超過醫生給的死期。這些日子,反而因死亡的迫近,凝聚了家人,增添相聚的時光。我想著,若當初她知道了自己只剩兩週的生命,還能如此無懼嗎?而自己又將如何面對已知的死期?

編:所以這次個展是以往展覽的延續?
寧:若說上次是閉上眼回顧人生風景,這次則是睜著眼來面對自己的死去。

編:在展場中會留下觀者的什麼?
寧:可能會留下一個死掉的你,以及你死去的方法,也可能什麼都不留下。希望觀者可以在展場中直視死亡,並深刻體會出面對死亡時的未知情緒。趁還活著的時候來死一次吧,你會有自己的答案。

本次個展藝術家以自身經歷開啟一連串我們面對瀕死時的行為提問。新作一貫地沿用他擅長的各式影像表現手法來引領觀者進入死亡的想像。展場以【死】、【逝】、【舞】、【飛】四件作品為主軸,透過虛擬實境讓觀者體驗瀕死的感受、將九相圖2重現並模擬出最直接的體感碰觸、以視覺感官刺激對死亡面容的想像、最後再用自白的方式道出死亡的體悟,希望觀者可以隨著觀看順序,直視死亡、觀想死亡、思考死亡,最後享受死亡。藝術家刻意在整個展場營造死亡氣息,透過作品一步一步讓觀者與死亡產生最近距離的凝視。所有作品皆因觀者而存在,讓觀者彷彿暫別現實一樣,在寂靜裡看見死亡,在死亡裡享受孤獨,讓死亡不再是恐懼無解的議題,而是一場多層次的藝術體驗。

[1]《死亡神學》,魏連嶽 著,校園書房,2016/03/01
[2]九相圖是一種日本繪畫題材,是按墓園九相去繪畫9個屍體腐化的過程。

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