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YIRI ARTS 伊日美學

06.09.17 - Travelling in Peaceful and Bright Mood

既靜謐又開朗的獨旅心情  Travelling in Peaceful and Bright Mood

撰文 / 盧怡安

凍結之地的樹03 Trees in the Frozen Land 03│100x72.5cm 油彩畫布 Oil on Canvas 2017
藝術家蘇郁嵐來自一個穩定而務實的家庭,小時候很少遠行。但在她筆下的北歐旅行風景,遼闊、安定,讀不到在異鄉的不安全感,也不是充滿爆破性的興奮感,反而有種寧靜祥和,又開朗自在的啟發,十分獨特。

寬闊的大景,蜿蜒的道路,被雪濡濕的地面與微亮的天空,藝術家蘇郁嵐都以灰色的基調塗染。但看上去,心情卻一點都不陰沈,反而有種開朗、遼闊,舒坦和安心的感覺。

這彷彿是蘇郁嵐要把旅行的心情,寄給家裡的一張張明信片。

「我很好。」「這裡的天空好寬。」「一路上都很舒服。」「從這裡看下去讓人很安定。」她宛如用這樣畫面,向家裡傳達一句句內心感受,讓站在畫前面的人都讀到了。

蘇郁嵐說,父親是公務員,母親是家庭主婦,家裡的氣氛一直很務實、很安穩。但他們總覺得孩子就是要在身邊,不要遠行。家庭旅行去過的地方,在記憶中寥若可數,大多就是離家較近的所在。

一直到北上念大學,有了自己的摩托車,蘇郁嵐發現自己很喜歡一個人到處亂晃。去東北角,去淺水灣,去說不出名字的海邊小村。她喜歡上旅行,特別是一個人的旅行。

終於在前幾年,她把自己帶來北歐。連台灣附近國家都沒有去過幾個,第一次遠行,就是去芬蘭,去丹麥,去各個她從來沒想像過的地方。

冷得要命。「很冷、很冷很冷。」蘇郁嵐一連講了五次,但卻是興奮雀躍的語氣。「冷得很過癮啊。」她開心地說,沒有一絲害怕。

母親來電,總關心她:「妳不會怕嗎?」「遇到什麼問題要講哦。」但她如魚得水啊。一個人走自己喜歡的路徑,「不需要目的地。」她說。只是走著走著就很自然地坐上纜車,總是來到高山,或是登上高台,一眺望整片整片寬闊的景色、廣渺的場景,她的心情就很平靜,很愉快。

於是她把這樣平靜而愉快的心情,畫給了家人。

在她的畫中,即使是看起來一片單調的大塊雪地,也一點都不沈悶,遼闊的水平線讓人感覺祥和。即使是渺無人煙的路徑上,也一點都不孤寂,靜謐的空間使人放鬆和自在。一個人往遠處的旅行,原來是這樣的感覺、這樣的心境,和刻板印象並不相同。

我暗自猜想,就是因為平穩安定的家庭,給了她來自內心的篤定力量,於是不擔心遠行的孤寂與不確定感,那種相隔得遠遠地,仍有一種互相聯繫、互相支持的安定感,帶來了她畫中獨特的氛圍,既靜謐卻又開朗。

於是站在畫前面的人,也像收到蘇郁嵐的明信片與家書一般,被療癒了。

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06.09.17 - SUPER HERO

1. Tijhofburg 5
3. Tijhofburg 7

Super Hero|蓮輪友子個展 Tomoko Hasuwa Solo Exhibition

撰文 / 張聖坤

『我想捕捉「光」,或者說、我想將「光的軌跡」給呈現出來。與錄像作品相較之下,或許以平面繪畫來表現「動態的光」,確實是較不適切的媒材,但我也不可能因此停止繪畫。無論如何,我都希望能夠以繪畫的前提下,呈現出更閃亮的光。』 —— 蓮輪友子

蓮輪友子的個展名稱「SUPER HERO」,指的其實並不是那些擁有超能力、並拯救世界的超人,而是我們在日常生活中遇到的那些凡人們。有時候我們佇足在街旁小憩放空,目光可能會不經意地落到某個路人身上,如果思緒放的夠空,或許我們還有機會意外發現他/她們的某些肢體動作,就像電影裡的slow-motion般流暢絢麗。不論是神速擋下那顆、就快要砸到自己的籃球的爸爸,或是拿著手帕替自己擦著唇邊冰淇淋漬以及眼淚、那眼神永遠溫柔療癒的媽媽,他/她們那英勇超能的姿態,在孩子的眼中,其實就像是閃耀在日光底下的超級英雄。比起蓮輪手上的繪畫技巧,或許更值得令人注意的是她精準的眼力。她的登山背包上掛著鍋瓢、精實地掛著滿臉汗珠,實地走訪摩洛哥、西班牙、荷蘭的自然環境與古城區,拿著自己的RICOH-GR相機,用內建的低畫質錄影功能,將大自然的景色、街道上的行人,這些天天都發生在我們眼皮底下,但或許從未被我們入眼的瞬間畫面給摘錄下來,繪製成她的作品。

電影史上經常會提到歷史上的第一支動態錄像「running horse」,它是由英國攝影藝術家Eadweard Muybridge於1878年發表的裝置作品系列「Zoopraxiscope」中發展出來的。Muybridge沿著物體運動的軌跡,在定量的距離上架設了數台攝影器材,並延遲快門啟動時間,拍下賽馬Occident奔跑的姿態。Muybridge將其拍攝下的二十張照片沖洗到玻璃圓盤上,嵌入他自製的投影裝置當中,當圓盤開始轉動時,「Zoopraxiscope」上的一張張靜態照片,便在人眼中成了連續的動態影像。若是比較Muybridge與蓮輪的作品,其實兩位的作品在概念訴求上是相當雷同的,他們都是將動態的影像以平面的媒材重現。不同的是,Muybridge使用的是「生理層面」上的視覺暫留(Persistence of vision)特性來達成目的;而蓮輪的作品所產生的視覺暫留特性,則徹底是「心理層面」的,它需要透過觀者提供視覺以外的其他感官來補強,觀者才能感受到蓮輪作品中的動態感知。

在蓮輪的作品當中,或許聚焦的主題(人/風景)會隨著系列的不同而有所轉移,但不論在哪一個系列裏,她仍是以「光線」和「動態」作為最主要的模板。2017年六月,蓮輪友子於橫濱藝術單位BankArt1929發表了始於今年的動態繪畫(Motion Painting)系列,她將自己拍攝的錄像投影在「超級英雄」的平面作品上,呈現出具有疊加效果的動態繪畫(Motion Painting)系列。大部分具象繪畫的藝術家在繪製作品時,為求構圖線條的精準,素材的選用多是以靜態的照片,或是自己繪製的草圖為主。但是在蓮輪的繪畫邏輯裡面,她反而希望盡可能地縮減作品中可閱讀的具象元素,所以當她在繪製作品時,她會用電腦循環播放著自己拍攝的動態影像,透過自己的肉眼捕捉,將動態影像的局部拆解下來。也因為時間差的關係,影像中的物體也會持續地移動,可能這一秒螢幕播放的棕梠樹正低垂著,下一秒吹來的強風卻把它的葉片刮蓬了。她的繪畫呈現,也正因為這樣的錯視取材而產生了類似殘影的視覺呈現,或許並不是發生在同一秒鐘、但確實是同一個瞬間的事。就像王家衛的電影中,張曼玉那纖細的小腿肚及踝下的蕾絲魚口高跟,跺過了那些老舊的紅磚巷道,留下的殘影不僅是曝光在膠卷上,更是印在我們觀者的心中。

蓮輪友子在畫面中僅使用了純粹的光線與色彩,甚至屏棄了所有細節形體的勾勒,僅抽象呈現出物體的光暈邊界。她以相當有限的符號元素勾引著我們的視覺神經和大腦中的記憶庫。青綠色的肥大筆觸:或許讓我們想到生氣盎然的綠叢。棕黃色的細線:或許讓我們想到港邊繫船的麻繩。一捺朱色的紅暈:或許讓我們想到情人的唇角。她的用色是自信滿滿的精準、形體卻是絕對曖昧的模糊,她的作品是包裹著西方妖豔姿態的東洋內斂靈魂,在烈陽下、樹蔭下,隔著薄紗透露出閃爍的微光

licht bankartmini2licht bankartmini3
蓮輪友子|Licht bankartmini |2017|單頻道錄像

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06.09.17 - ART NEWS

ART NEWS | 藝術新聞

編輯 / 葉柏昇

1
1. 柏林市立畫廊
Berlinische Galerie, Berlin

榮獲2017年弗瑞德·提勒(Fred-Thieler)繪畫獎的克里斯汀·斯特雷利(Christine Streuli) 在本次展覽的新作中試圖以藝術語彙回應並揭開戰爭下的層層偽裝,靈感多來自2002-2003年的報紙頭條照片;在技法上做了許多噴、貼、黏、印、畫的處理;平面與具象圖案相互穿插的實驗,層次結構複雜多變,重新演繹美國及阿富汗、伊拉克之間的戰爭

CHRISTINE STREULI
2017.03.18-10.09
Berlinische Galerie, Berlin

https://www.berlinischegalerie.de

 

2.
2. 芝加哥當代藝術館
Museum of Contemporary Art Chicago

作為Amanda Williams首次的美術館展覽,在此系列的作品中以雕塑、攝影來呈現不斷更迭的都市環境議題以毀壞後的建築物為主題,毀壞作為一股褪去的力量,作為「後都市」的雛型。從2015年的芝加哥建築雙年展發表過的計畫為延伸,Amanda試圖帶領觀者以小觀大從這些雕塑或是建築元件裡看穿建築,從建築物中探討政治、人種議題及城市的價值。

Amanda Williams|Chicago Works
2016.09.29-11.20
Museum of Contemporary Art Chicago, Chicago

https://mcachicago.org

 

3.
3. 金澤21世紀美術館
21st Century Museum of Contemporary Art. Kanazawa

本次展覽「文明的結束」呈現知名品牌設計師Jurgen Lehl生前最後的系列作品。晚年定居於日本的德國籍波蘭設計師Jurgen Lehl始終秉持這樣的精神:「我不願意去利用對環境或者自然有傷害的東西做設計材料,並且,在我製造實現設計的同時,我也儘量保證物件能夠堅固耐用。」本次展出的作品皆為利用淨灘得來的塑膠垃圾創作而製成的燈光裝置,帶領觀者一同省思嚴肅的環境議題

Jurgen Lehl: The End of Civilization
2017.08.05-11.05
21st Century Museum of Contemporary Art. Kanazawa

https://www.kanazawa21.jp

 

4
4. 韓國現代美術館 (果川館)
National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea

此展覽展出國立現代美術館館藏品,用全新禿點回顧20世紀後韓國近現代美術史的發展歷程。展覽標題「龜裂」象徵著許多藝術家們勇於挑戰頑固的權威與秩序,不斷創造變化,不斷創新的創造性「意志」。透過本次展覽,觀者將會在20世紀後韓國的社會、文化、歷史進程中,以全新的方式體驗到藝術家們和世界產生碰撞、不斷實驗、不斷創作的多種形態的作品。

CRACKS in the Concrete from the MMCA Collection
2017.04.19-2018.04.29
MMCA, Korea

http://moca.go.kr

 

5.
5. 惠康藝術中心
WELLCOME COLLECTION, London

本次展覽將探討「圖像設計」與「健康」之間的關係,以「平面設計能不能救你的命?」為標題,展出超過200個物件,包含了大膽設計的海報、閃爍發光的藥局告示牌、數位化的標語訊息,將要帶領觀者思考全球設計在健康訊息上扮演的角色,展示圖像設計如何被利用來說服、傳遞重要訊息並且與健康有所連結。

Can Graphic Design Save Your Life?
2017.09.07-2018.01.14
WELLCOME COLLECTION, London

https://wellcomecollection.org/

 

6
6.新當代藝術博物館
New Museum of Contemporary Art, New York

首次於美國展出的Helen Johnson在作品中謹慎地安排畫面上的歷史片段、政治人物的卡通化圖像、地圖及建築圖表,彷彿將觀者置放於文化與歷史的十字路口上。Helen Johnson的作品選擇以幽默、玩味的方式,反諷這些沉重的歷史記憶或是根深蒂固的習俗。以繪畫作為研究殖民主義、建立國家認同感的工具,反映出澳洲現今的政治議題。

HELEN JOHNSON: ENDS
2017.09.13-2018.01.14
New Museum, New York

http://www.newmuseum.org/

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06.09.17 - Don’t Become Rounded, Become a Star!

YCH173019|葉誌航|家庭相簿-皇上吉祥 Family Album-The Emperor|116.5×80cm|2016|壓克力彩、畫布

家庭相簿Family Album|葉志航個展Yeh Chih–Hang Solo Exhibition

別變得圓滑,變成星星吧!Don’t Become Rounded, Become a Star!
撰文 / 張國權

我和小葉差了快30歲,比他爸還大一歲,這樣的世代差距,要說我們沒有代溝,那還真是奇怪。的確,就是這麼奇怪,他和他的怪咖朋友們和我居然成了忘年之交的酒肉朋友,像是年輕時代的我遇到我未來成年的兒子,大家鬼混在一起的超時光穿越劇。
但我不是拓實,他也不是時生,所以不會有東野圭吾式扣人心弦的故事可以說,不過我們都很愛喝酒就是了,所以,在一起酒話就很多,越喝,越多!

那就來講講酒話吧!
以大人口味訴求的SAPPORO黑標生啤,從2010年起就以「大人エレベーター 大人電梯」系列廣告片對「大人」來賓們快問快答進入成人世界的些許體會,提問主持人是妻夫木聰,來賓從70來歲的仲代達史、60來歲的北野武和松本隆、50來歲的竹中直人和豐川悅司、40來歲的中田英壽和黑田博樹……連續8年,已經28集,內容精練,耐人尋味,讓我每次看了都想喝一杯!

◎家族是一輩子的牽絆

「甚麼是演戲?」
「我很討厭別人說我演技很好,我反而喜歡別人搞不懂我在幹嘛!」
「甚麼是家族?」
「家族是永遠,因為家族是種血緣的羈絆,會一直一直延續下去!」
「會想回到年輕嗎?」
「哈哈,就算現在有時候也會想胡搞瞎搞,但是體力已經不行啦!」
「對小孩子的看法?」
「小孩子不懂事,常常會惹媽媽生氣,其實小孩子也傷到自己了!」
「當爸爸後有甚麼想法?」
「深夜回家時偷偷進兒子房間,才驚覺他長好大了,還長了腿毛!」
「經驗呢?」
「通常我們以為經驗的累積會讓我們越來越上手,其實沒這回事!」
~竹中直人篇

小葉家非常的一般,也出奇的平常。完全沒有八點檔的狗血,也沒有劇情片的張力,既非驚世奇緣,亦無冰點家變,這讓喜歡找尋「刺點」的我很沒有滿足感,想要從其中找到甚麼文學性或故事性也無計可施。
不過,小葉家最多的是「笑聲」,在這個家庭問題社會問題到處都是問題的時代,「家庭和樂」或許已變得罕見,尤其像我這種「不苟言笑」的老派,實在不知道怎麼扮演諧星老爸。
小葉的成長經驗無疑是個無憂無慮的幸福小子,他在「家庭相簿」裡的塗鴉幼稚得很自然、很可愛,有童話的童趣,有屁孩的調皮,還有青少年的健康教育。他顯然很愛捉弄他妹妹,也愛搞笑自己,加上聖母媽莉亞,還有超人彌勒爸,一家人樂天知命、自由自在、有說有笑、有驚有喜。這就是竹中直人說的家族的牽絆,一輩子的情感聯繫。

◎成長是很多討厭的事在等著你

「甚麼是大人?」
「嗯,長大成人就是越來越痛苦,因為有很多討厭的事在等著你!」
「那現在的狀態呢?」
「這時候就像已經積蓄了30年能量的箭,正持續飛射著的感覺吧!」
「甚麼是變老?」
「就只是哀愁不斷地積累,你會發覺其實留下的都是受傷的過往!」
「人類越被世俗汙染就越愛哭,變老之後真的會越來越愛哭的哦!」
「戀愛呢?」
「戀愛這件事啊~~~,是不可能照著我們自己的意思發生的吧!」
~中川雅也篇

小葉在外島當兵閒來無事時,把家裡相簿裡的照片大肆整理、放肆塗鴉,成為這兩年的創作主題「家庭相簿」的基礎,除了50張布上油畫,還有拼貼錄像、影音動畫。
看著他的「家庭相簿」作品從三五張到三五十張,這期間我聽他講了不少家裡的事,當然也吃了好幾頓他燒的菜。菜好吃不打緊,家裡好笑的事一籮筐才讓人噴飯。
整理相簿其實就是在追憶過去美好的時光,回想過去生活的片段,再次獲得家人的安慰,增加前進的勇氣與動力。對小葉來說,這是他真正長大成人的時候,也已經準備好迎向中川雅也說的,未來那些很多令人討厭的事。並且用「家庭相簿」這系列完整的作品,向家人表示感謝與愛,即使他的方式依舊調皮搗蛋。

◎怎麼樣才能不下流?

「甚麼是大人?」
「當我對年少輕狂的過去感到羞愧的時候,就是真正成熟的開始吧。」
「甚麼是有錢?」
「進館子點菜的時候,可以不用看價錢,對我來說這樣就是有錢了!」
「怎麼樣才能不下流?」
「就老實地直說啊。心裡的慾望被人看穿時,就會讓人覺得下流了!」
「甚麼是自由?」
「雖然大人們會說,就去做你想做的啊!但其實年輕人就是不知道要做甚麼,才會困擾啊!」
「甚麼是女人?」
「哈哈,女人是危險的生物!」
~北野武篇

小葉是個典型的活在當下,對未來沒太多想法的年輕人。
想玩,而且能玩的時候,就玩好玩滿;想吃,而且能吃的時候,就吃好吃滿;想幹,而且能幹的時候,就幹好幹滿。
所以,他看漫畫,總能窩在租書店把新到的海賊王火影忍者嗑光。他看武俠小說,就像在練功,全本全套無一疏漏。他打電動,總能在最短的時間闖關成功終結賽局,可謂快打神手。他研究各國料理,總能親手打理一桌經典美食收服食客,而且開放點菜,完全沒在怕。
他創作也是這樣,想定主題,就會把這個主題做好做足,不管是內容、媒材,還是表現形式,一定要搞到淋漓盡致。至於,下個主題是甚麼?那等做完這個主題再說囉!
對於創作的企圖,小葉從沒有保留。對於過程的執著,他也不會喊累。
就像北野武說的,老實表達自己的想法,就算還不入流,也不要下流。

◎選了一個找不到答案的職業

「演員是甚麼?」
「唉,覺得我選了一個找不到答案的職業啊!」
「想對年輕時的自己說些甚麼?」
「再放輕鬆一點吧!」
「對老了的自己呢?」
「再多堅持一點吧!」
「關於女性呢?」
「聽起來雖然有點老套,但女性真的是神聖的存在啊!」
「有滿足過的時候嗎?」
「沒有耶,我認為會滿足的人是無法當演員的吧!」
「朋友對不起你呢?」
「我不會說甚麼,他應該有他的苦衷吧,就算已經這樣還能繼續交往,我想這才是友情吧!」
「失敗是?」
「財產!」
「成功呢?」
「成功沒辦法累積,它只是你下一個挑戰的籌碼!」
~豐川悅司篇

你如果看了小葉在伊日藝術台北空間「家庭相簿」的展覽,你就會知道他父親和他家人給了他多大的心靈資產。用笑容面對艱困,把失敗當作財產,用勇氣做出抉擇,把成功視為挑戰,這些樂觀正向的特質,讓小葉得以更穩健地走出自己的未來。

畫家是甚麼?就像豐川悅司說的,這是一個找不到答案的職業,因為畫家和演員一樣,終其一生都無法達到他心之所嚮的境界,而小葉和很多年輕人一樣,都選擇了這條艱苦的路。
做為一個挺著啤酒肚愛喝又愛說酒話的中年過來人,即使也沒甚麼機會有哪家酒商會找我去代言,但我還是非常樂意借用SAPPORO黑標生啤妻夫木聰的片尾廣告詞,送給年輕氣盛正要啟航的葉誌航:
丸くなるな、星になれ!
別變得圓滑,變成星星吧!

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18.08.17 - One Piece Club:Two Generation

螢幕快照 2017-08-18 下午3.35.39
兩代收藏|One Piece Club:Two Generation

撰文 / 黃琳軒

收藏的世界裡,除了理性的市場以外,底下隱匿著許多複雜的感性理由猶如水面下的冰山,有著更為深重的人性面貌,而這也是筆者撰寫此專欄最想傳遞的核心意念。冰山的下方涵養著親情、友情、愛情、對自己的思量、對意義的執著、對情感的定義,即使量體已如此龐然壯闊,人們卻不斷地試圖往冰心探尋,我們無法只是個崇高的旁觀者,必須得是個參與者、挑戰者才足以證明些什麼,但別忘了最重要的,尋進的必須是自我的核心而非他者的。

這篇專訪,有別於以往篇幅的一項特質為收藏中的「女力」傳承:一位女性收藏者是以怎樣的思維傳遞收藏這檔事?升格母親後、女兒長大後,這又是如何的轉變歷程?受訪者為曾春惠女士,在台灣各大藝術博覽會上的熟面孔,婉約的紮髮,典雅的穿著;以及大女兒陳思穎,一頭亮眼的藍瀏海黑髮,穿著散發重金屬搖滾狂熱者的氣息,究竟,這一對母女組合的訪談會迸出怎樣的火花!

第一件收藏

曾春惠回憶:「日據時期,祖父母的住宅是日式的庭院,由外到內分別是具禪意的枯山水、簷廊、和室、榻榻米與木製拉門,室內充滿著各式樣的藝術品收藏、還有當時稀有的舶來品擺設,這些就是我幼年的回憶。」若真要提到第一件收藏,曾春惠才恍然發現,第一件收藏原來來的如此不經意、全然地源自於情感。那是在成年後回到祖父母故居,當時祖父母已逝世多年,房子也成為廢墟,她從地上拾起一幅小時候天天都會看見的畫作,瞬間兒時的回憶排山倒海而來,當年祖父母對她藝術涵養的啟發以及共同生活的情感都維繫在藝術品上,而如今即使時空轉變,以為記得但其實遺忘的感觸,能如此被記錄、承載,那麼藝術品的價值就已超乎它所扮演的市場意義了,對於藏家而言,就成為一份珍貴而獨有的存在。
空間的呈現定義收藏的意義。餐桌邊的牆面是與女兒們溝通的園地、透明櫥櫃中存放的是旅程中的紀錄,在曾春惠的家中收藏的意義即是收納情感,將所有的念想化作實體,而收藏則是回憶與情感的存取資料庫。值得一提的是,女孩們擁有一間過去診所手術室所改制而成的房間,小編只能驚呼:超酷的!彷彿一連串的實驗過程、效應發酵等等在這間房間裡頭醞釀著,不論是創作或是收藏。大女兒JAZZ(陳思穎)是名藝術家,畢業於英國聖馬丁藝術學院,當藝術家收藏藝術家的作品,既是英雄惜英雄的情懷,亦是轉換觀看角度的一項思考,她成了日本浮世繪的大粉絲,收藏Tsukioka Yoshitoshi 1866年的作品「The Woman Kansuke Slaying An Assailant With A Sword」,即使是不同世代的作品,但對於JAZZ而言,浮世繪所表現的時代社會議題,具有神話故事般的色彩,如同她在藝術創作當中,自己同時扮演當局者與旁觀者的角色,既創建出自己的種族,又像是個吟遊詩人,以藝術的方式傳遞著跨時代、跨部族之間的故事。

母親帶著女孩們的選物行程

曾春慧說:「她們(兩位女兒)從小就跟著我到處走看,我常會問她們對於各式樣東西的感受、觀點是如何,小至一般的選物,大至對藝術品、對事件、對決定等等的看法,透過這樣的交流方式,即使她們是年輕人,但我們在思想上的距離是非常緊密的。」

舉例來說,將近十年前收藏藝術家王怡然作品「蕾絲辮」,一個身形姣好的男體,姿態慵懶地斜趴在我們眼前,未瞧見男兒身的正臉,穿著黑色半透明蕾絲的內褲以及擁有黑人辮髮。在同性議題還未有人如今日突破性的發聲之時,曾春慧已經將相關的作品收藏在自家,兩個女孩的視野是從小如此被開展出來的,女孩們在接受教育、經歷自我思辨的過程後,表達對於母親所走出的一套前衛風格相當的支持。直到女兒也擁有了藝術家的身分,曾春慧也因此進一步體會一件藝術品的辛勞產出,對於藝術收藏領域的投入更加不遺餘力,「藝術」也成為更為頻繁、可深入的親子對談話題。

打造收藏夢想屋

先從美濃的好山好水開始觀看起,會發現曾春慧打造的收藏夢想屋是如此地接地氣。架高的底盤、挑高的落地玻璃與具現代感的簷廊,南台灣的山景盡收眼底,大吸一口蘊含土壤、水、植物的空氣,全然地台式土地風味體驗。夢想屋一詞專屬於那些將夢中道路實踐的人,當你眼睛閉上,想像著推開房門,挑高的室內走道,一邊是即將為巨幅作品所預備的乾淨牆面,另一邊則是全面的落地玻璃,戶外景色、光影變化與室內作品面面相應,良辰美景好不勝收。

站在正在建築中的空曠房子,看著預備給三角鋼琴放置的空間,曾春慧笑答:「我現在才發現我還沒跟你們提過我的專長,我是音樂系畢業的。但你可能想像不到在建房子之前的這塊空地,是我每天戴著斗笠種出有機蔬果並且分享給鄰居朋友的地方。」不難想像,即使夢想屋建築完成之後,這裡依舊會是三五好友分享藝術的好所在!然而,能與如此空間、地氣匹配的又會是那些作品呢?我們獻上最真摯的期待!

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盧之筠作品

Jazz & mom 合照|背景是韓國藝術家崔旴嵐作品-Jazz媽新的收藏
Collector
左 : 曾春惠|中國文化大學音樂學系
右 : 陳思穎|倫敦藝術大學中央聖馬丁 Art & Science碩士

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18.08.17 - 2017 Art Paris Art Fair

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撰文/黃琳軒

Grand Palais」大皇宮展覽場域

2017.3.30-4.2Art Paris Art Fair在法國巴黎大皇宮(Grand Palais)盛大舉行,大皇宮為因應1900年於巴黎舉辦的世界博覽會而建造,臨近眾多很「巴黎」的地標:艾菲爾鐵塔、凱旋門、香榭大道。今年約130餘間畫廊參與,展出含括戰後到當今廣泛的藝術類型。

沿用德國所開創出來擁有巨型天窗的展覽場域,許多畫廊將大皇宮這樣的體質納入佈展的重要考量,善用日光使不論平面或立體作品都發揮到恰到好處,創造出絕妙的空間感受,打破既有可發揮的展板形式,彷彿是一場佈展的伸展台。Galerie Caroline Smulders以個展形式展出藝術家Tinka Pittoors作品,將場地佈成現實社會的日夢園地,翠綠假草皮在日光的照射下更突顯雕塑裝置有著甜膩可愛的色調以及隱蔽於現實層面的躲藏姿態。Galerie Philippe Gravier帶來Sou Fujimoto的《書森林》(Forest of Books)系列立體作品,不使用地毯直接裸露場地本身的水泥地,日光充足時令作品的光影能拙樸地踏實於地面;也不使用展燈、直接利用上方投影裝置的形體於展板上,夜晚時卻也能讓作品產生新媒體作品的展出氣質。Espace Meyer Zafra帶來藝術家Manuel Mérida巨型作品,粉紅、粉藍,像是沙漏般的圓盤裝置,在現場緩緩轉動,日光、光影、輪轉、彩沙粉流動,既俐落的機械感卻又感性柔美的創作能在展板型藝術博覽會現場展出,著實令人驚艷!

Africa Guest of Honour」國際主題─非洲

2012年開始,每年都會有一個國際藝術的主題,從俄羅斯、中國、東南亞到南韓,而今年的主題為「非洲」,由獨立策展人Marie-Ann Yemsi所策劃,包含20餘間非洲畫廊參與,展出新興一代非洲藝術家的作品,部份歐洲畫廊也於今年度的Art Paris主推他們所代理的非裔藝術家。精彩的是,還能觀賞到第56屆威尼斯雙年展辛巴威代表藝術家Gareth Nyandoro的巨型紙本作品,以及將於57屆威尼斯雙年展展出的南非代表藝術家Mohau Modisakeng的大型錄像以及大尺幅攝影作品,Mohau Modisakeng運用自己黝黑的身軀在極黑的背景畫面中去探索關於南非過往暴力慘烈的歷史,影像黑的極為深邃、冷靜,因而利用全黑、封頂區隔出能讓觀者可以進入如同小型電影院般的空間,無光害干擾地欣賞錄像作品,可見展出單位的用心。許多畫廊也會依據展出作品改造展板的隔板形式以及變更色調突顯作品的特質,讓觀者有踏入一境又令一境地的深刻感受,而非單純只是擺出作品的展示會現場而已。此屆Art Paris只有少數亞洲畫廊參與,大部分為南韓畫廊,以展出大色塊形式的平面作品為主。

PROMISES」新興畫廊與藝術推廣

Art Paris 藝博有個名為「PROMISES」的單位,致力於推廣新興藝術與畫廊,會選出12間新興畫廊(成立不到六年的畫廊)並加以推廣,而今年所選出的12間畫廊皆為國外(非法國)畫廊,分別來自象牙海岸首都阿比尚(Abidjan)、荷蘭阿姆斯特丹(Amsterdam)、哥倫比亞首都波哥大(Bogota)、斯洛伐克首都布拉提斯拉瓦(Bratislava)、瑞士日內瓦(Geneva)、奈及利亞的拉哥斯(Lagos)、英國倫敦 (London)、安哥拉首都盧安達(Luanda)、義大利羅馬 (Rome)

另外Art ParisThe Fine Art Collective合作,頒發L’ art est vivan獎項,這個獎項由一群極具熱忱的收藏家於2014年所創辦,今年由位於阿比尚(Abidjan) Cécile Fakhoury 畫廊所代理藝術家Dalila Dalléas Bouzar獲得。Dalila的公主系列(Princess)啟發來自攝影師Marc Garanger所拍攝阿爾及利亞戰亂難民營的女性,當時法國軍隊控制大量人口移動,為了身份證明迫使婦女在攝影機面前拿下面紗,那股詭譎感在歷經戰亂恐慌的女性面容被揭露後竄起,藝術家Dalila運用金箔、油彩與畫布呈現黑暗詭譎卻又華麗的女性肖像,隱涉自己身為女性所面臨的世代、社會、文化等諸多議題的回顧。

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18.08.17 - A liitle bully boy, but a big story

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小混混的大故事A liitle bully boy, but a big story
 
撰文/王若鈞
 
電視裡傳來一個熟悉的聲音、捷運站海報上看見一個熟悉的身影,我想起了他的故事,要從三年多前開始說起。
 
曾是藝術雜誌編輯的我,因為工作緣故總是可以快速認識許多創作者。然而,真正成為「好朋友」,並在卸下編輯一職之後還會主動聯絡、持續關心的人,不誇張五隻手指真的數得完!不是這個圈子勢利,而是交朋友這件事大概就是這樣,隨著年齡增長難度也日漸提升,出社會後要交到知心好友更是難上加難,其實最好的狀態反而是「上班好同事,下班不認識」。
 
但也不知道為什麼,第一天見到他,對坐在20號倉庫工作室裡,聊不到兩個小時,我們就成為「自己人」,我的企劃需要幫忙,他連要做什麼都沒問就一口答應 ; 他突然火燒屁股了,我請三天假衝去台中協助佈展。
 
曾經翹課、打架滋事、混球間,一個不良少年該做的,年少輕狂時的他應該都沒少做。然而,真正讓我刮目相看的,不是他如何從小混混變成小鐵工(絕不用「藝術家」這個稱謂是我們養成的良好默契),也不是他的作品獲邀參加大大小小的展覽(當然作品總是真摯到令人覺得這個世界其實並不糟),而是他說的:「如果明天就是世界末日,其實我沒有遺憾!」
 
我瞪大了眼睛,想著這個小混混是哪來的信念?!而「社子島少年行」證明了他的確是一個不會讓自己後悔的人。
 
當他開始在社子島創作的那段日子,我們較為頻繁地碰面,有段時期明顯感受到他的低潮和疲憊,我總是毫不留情地說小我三歲的他看起來已是位大叔了,而且每一次見面都像老了十歲一樣,鬍子又長了一點,背又駝了一點,而他只是無奈地笑著,對於計畫的不順遂、學生們接二連三地離去,一律輕描淡寫地帶過,然後任由我繼續抱怨著自以為不公的一切。
 
直到看完「社子島少年行」的完整影片之後,才明白在那八個多月的時間裡,他所經歷的壓力和挑戰!回想起來真是慚愧,和年長的我相比起來,他展現了真正的強大。那一句「我是不會離開的」,讓我爆哭之後又多掉了幾滴眼淚。
 
他說,社子島和台北的關係,就像台灣在國際間的關係,雖然充滿資源,卻同樣位在乏人問津的邊緣地帶,同樣羨慕進步發展的地區,或許就是因為這樣,在社子島長大的這群孩子們對什麼都無所謂,鬼混逐漸成為一種生存方式。而他從單純的看不下去,到「令伯袂爽」的意氣用事,鐵了心就是想要讓這些參與計劃的小朋友們,知道做完一件事情應該有的堅持和態度。
 
在許多人的幫助下,用回收物件所打造的作品「G生蟹」誕生了,取自寄居蟹尋覓家園的寄生意象,在這個滿是報廢場的社子島,傳達可以利用現有資源開創新生的信念,而孩子們也要願意卸下武裝,才能看得到自己的樣貌,進而願意去幫助別人,隨著作品的遊行衝出社子島。
 
在情緒和緩之後,我打了通電話給他,我們不斷聊著「創作」的可能(不以藝術為前提來談論也是良好默契)。創作真的可以改變很多事情,只是端看我們要把它放在什麼位置上去做到真正的實踐,從改變一個孩子的態度,到改變整個社會的想法,有時候需要的只是更多的堅持。
 
他說:「堅持不代表一定會成功,但一定會有收穫。失敗沒什麼了不起,生路都是從失敗中走出來的,唯有堅定,才能比別人擁有更多機會。」
 
看吧,他還是一個帥氣的小混混。他是,許廷瑞!
 
#我朋友我驕傲
#你必須要看社子島少年行

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18.08.17 - Documenta 14 – Learning from Athens

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德國卡塞爾文件展首次遠征向雅典學習(上)Documenta 14 – Learning from Athens

撰文 / 吳思薇

前言。

我所見到的卡塞爾

五年一度的卡賽爾文件展於今年於開展,每次都猶如太空船垂直空降這個在原本沒沒無名的小鎮,卡塞爾迷你的市區瀰漫的一股興奮的氣味。當地居民形色友善,假日時遇到年輕的學生詢問青年旅館的位址,竟就主動提供到自家休息中的診所過夜。在售票口領了一份Documenta 14的報紙,薄薄幾頁卻是觀展民眾的重要指引,其中將卡塞爾與雅典的展出地図標記,洋洋灑灑居然囊括了82個地點,並且加上為了這各自100天的展出,而衍生的基地改變,比如廢棄工廠的利用、或者新興的協作工作是在雅典遍地盛開,而在卡塞爾城中也開著一輛名為“船 (the ship)”的公車,被Pavel Brăila藝術家改造了觀景窗,猶如一艘小船每半個小時一班帶領觀眾看見他心中的卡塞爾。而展期中還有一個VolksRadio人民的廣播電台,讓全世界都能利用網路和調頻在某個意義上參與文件展。我造訪卡塞爾期間,幾乎無時無刻,都有限時發生藝術事件在城裡發生,然後結束,然後消失,彷彿不曾留下痕跡。坦白說,這個文件展太大,大到或許每一個參與的觀眾,所見到的展出,都會看見完全不同的內容,而如今我只能試圖捕捉其吉光片羽,向各位描述我所見到的文件展。

向雅典學習了什麼?
「向雅典學習 Learning from Athen」是今年的主題,回應2008年雅典的金融危機,不過五年過去,英國脫歐、美國選出川普總統、法國也險些走向極右派,五年間事情發生太快整個世界已經天翻地覆,雅典的金融危機已不是當前的題目,甚至比起後真相、新納粹、新法西斯、新民族主義人們最想討論的或許已經不再是前者。但是將卡塞爾展文件展降落至外地,卻還是件新鮮事。

還記得當歐債危機發生時,債築高台的希臘屢屢欠身,而債主國之首梅克爾則頻頻對希臘發出金融警告,要求當地政府採取措施緊縮經濟。這樣的背景下,身為文件展的主辦國,立下一個「向雅典學習』的標題,無論從何角度看,都能感覺到一種偽善的諷刺氣味。甚至雅典的在地藝術圈也滿腹疑問,德國到底想跟雅典學些什麼?由於希臘經濟不好,連帶著國家給予當地藝術預算也大幅下滑,對於雅典地藝術圈或許真正振奮的是,藉由這次展出,卡塞爾文件展將會帶著大筆現金進入雅典,Documenta 14的總預算是3億7千萬歐元,其中一半來自德國政府,而另一半來自售票及捐贈和贊助,而本次在雅典的文件展,希臘國家政府與雅典當地政府分毫未出。這到底是誰和誰學習呢?精確地問下去,要不過本屆的明星策展人Adam Szymczyk卻說,他無意藉由藝術提供希臘經濟上的實質協助,並且面對許多批評者指出這樣的展出內容雅典本地協作不深,根本不必在雅典也能發生的聲浪,他也回應,他主要關注的並非雅典這個藝術現場,更多的是雅典這座城市的有機狀態。無論這位想要隱身卻再再成為目光焦點的策展人心中到底有何盤算,旁觀者卻從幾個事件看出些矛盾的端倪。

“雅典是新柏林 Athen is a new Berlin”

這句謠言像細語一般在雅典展場發酵。
這在柏林人的耳裡聽起來確實有幾分怪怪的,其實背景又得快轉回希臘歐債危機,店家間間關門,雅典的房市一瀉千里,便宜的住宅與無人聞問的房產,又再度成為藝術家的寄居之所,替代空間與合作藝術工作室在近年的雅典如雨後春筍般大量湧現,而當這個現象為人所知,士紳化的危機也接踵而來,狹帶著文件展的開幕,Airbnb上的房價也水漲船高,與之緊係的餐館、民生物價也跟著抬高,但其實雅典並未因為文件展真正的改變其經濟結構,普遍的薪資與工作機會也只是暫時提高與出現,在文件展的大浪一過,在雅典還會留下些什麼?

而今年也是Documenta第一次在他國平行舉辦,雅典策劃之時,對於展場的工作人員invigilators/藝術勞工 Art labor,策展方承諾會將給予與卡塞爾當地同樣的薪資€9/hour。但兩週以後,團隊出面宣布之間有所誤會,雅典當地的薪資卻被下修到€5.62/hour但被承諾將在未來有升遷希望。這項改變也被認為策展團隊的操作手法實際上更是與新自由主義的經濟模式相符,對於這個策展的政治不正確的疑問也如雪球般越滾越大。

(待續)

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Ibrahim_Mahama | Check Point Prosfygika

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18.08.17 - Fluttering Scene

CHA1722-03|張驊|室內植物|91.0×72.5cm|2015|油彩、畫布oil on canvas
張驊|室內植物|91.0×72.5cm|2015|油彩、畫布oil-on-canvas

浮動景緻 Fluttering Scene|張驊個展Chang Hua solo Exhibition

撰文/張驊

對於眼睛所「看到」的事物,我們是如何「看待」的?

真實的形塑
Shape into reality
人們對事物的構造與形體的判斷往往來自於過往的經驗與所見所聞,例如:我們會怎麼描述一幅深印於腦海裡的風景。若要拆分描述背後的建構,大抵可以分成兩件:外在實際樣貌與內在的理解認知。以外在言,當我們觀看風景,實際風景會倒映在眼裡,呈現其真實景象的樣貌;但以內在言,我們不可能僅僅只是觀看──因為「觀看」本身就帶有觀者對風景的主體意識。也就是說,人們觀看風景影像的同時,也會以「過去」對風景的「認知」加以理解,將現實所見的風景呈現於內心。影像與認知中的畫面,使我們的「所見」與「感知經驗」相互緊密地交融並形成一體,觀者從錯綜複雜的認知系統中勾勒出對於「真實」的輪廓,透過回溯記憶與感覺的過程,反覆地調整(認知系統)而化作個人經驗(真實的輪廓)。這些「真實」乃因人而異,因為觀者的內心映射是將心中各段浮動而不斷變化的視覺切片相互組合後,而逐漸成形成全新的視野。因此,即使是同一時空的風景,人們也能開展出多元而豐富的討論,透過「所見」與「感知經驗」,人們對所見或理解的「景緻」開始有了更深化的詮釋。

浮動,有機體,意識
Fluttering, Organic substance & Consciousness
本系列作品所要展現的,正是「景緻」如何在人們的觀看與經驗中「浮動」。將以多面向的繪畫性、強烈的質感記號、具體卻抽象的顏料團塊在畫面上游移和多維度的空間彼此相互交疊來展現。其中,多次出現的結晶體具備有機造形的特質,透過多層次的描繪方式及油畫顏料的反覆曡染,化作多變的造形結構,例如:水、植物、土壤或特定物件等不同形式支撐畫面。觀者則因畫面上造型、色彩、明度對比、虛實再加上不同的觀看距離而產生微微的視覺浮動。此外,本次展出也試圖透過繪畫的痕跡比擬回溯記憶的過程,以重複描繪、重複質感記號作為反覆思考。整體畫面富含寧靜的特質卻充斥著大量怪異的景物,例如:質感與造型異化的物件,空間錯置、畫面斑剝、顏料的堆疊和紛亂的圖像疊合。人為的繪畫性與顏料的自動性成為如同記憶中的模糊區塊,擾亂或改寫既有造形認知,看似偽裝良好的結構與風景顯得格格不入。不只如此,場景被隨之而來的顏料團塊、皺褶、黑色線條、強烈質感和躁動的結晶體劃破,這些被具體化的抽象元素將試圖展現人們浮動的思考是如何成為景緻中的主體意識軌跡。

倒影,浪,岸上主體
Reflection, Waves & Subject on Shore
當代影像的發展已逐漸顛覆人們對事物的既有認定,進而成為新的建構現實認知的方式,更甚者,在虛擬實境(VR)、擴增實境(AR)等成像技術能精確地喚起觀者經驗感受與時空的同時,現實/虛擬的邊界被打破,虛實相互交融使人對於表層的「影像」真假難辨,才需要人們積極思考並建構意義。本次展覽:「浮動景緻」不單只是傳達人們如何回溯記憶的過程,更試圖展現現實、影像與主體經驗之間存在的意義浮動與流動。約翰・伯格曾說:『我們只看見自己凝視的東西。「凝視」是一種選擇的行為……我們關注的從來不只是事物本身,我們凝視的永遠是事物和我們之間的關係。』對於同一客體,不同主體將會因為不同的認知經驗而得出不一樣的意義,然而,就是這樣的落差得以將既有認知結構加以編輯,重構一多面向的畫面。

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18.08.17 - Atypical Human

陳逸云|病著唄 - Playground

非典人類 Atypical Human|陳逸云、郭城、宮保睿、長谷川愛顧廣毅林沛瑩

文章編輯整理/㗊機體

近年人類社會由於許多前端科技的高度發展開始產生劇烈且快速地變化,人類不斷地想要藉由科學與科技探索未知世界,但這些科技的發展卻往往伴隨著許多未知,甚至衝擊了人類社會原有的價值體系,所有對於本質的思考都可能因為前端科學的推進而產生了需要重新定義的需求。首當其衝地就是我們作為人類這個物種,對於自己身為人類的定義也開始變得模糊,如果連自己的定義都是未確定的,那麼我們所感知到的所有事物是否也需要被重新定義呢?

微生物學的發展讓我們知道人體內有著各種各樣的細菌與病毒與我們共生,那這些微生物也是人類的一部分嗎?醫療科技的進步讓我們能夠改善疾病的痛苦,甚至重新思考什麼什麼樣的狀態是疾病,甚至許多原本被視為疾病的身體也不再被認為是不正常的狀態。舉例來說,人工生殖、基因工程等等的生醫技術都大幅改變人類面對生命的誕生的刻板印象。除了人類本身,我們也透過科學研究去探索人類與自然中其他生物的關係,許多動物可能蘊含了人類所需的重要資源,人類也試圖想要介入其他動物的生活,種種物種間的關係都隨著科技在不斷地改變。

此展覽的參展作品皆試圖藉由對未來世界的想像,去探索前端科技對人類定義的影響,同時藉由這些作品去思考人類社會在這些科技的發展之下所產生的倫理問題。這些作品利用各種科幻想像與虛擬世界的建立,嘗試帶領觀眾去體驗受前衛科技影響的未來世界的各種面向,讓大眾可以用另一種角度經驗科學與科技,並對於其中所延伸出的社會議題與文化現象進行更多的思考與辯證。

此次參展的藝術家的創作常於新媒體藝術、藝術與科學、生物藝術、思辨設計等等不同領域的展覽或活動中出現。這樣的創作形式近年新興於世界各個重要的科技藝術、前衛設計的雙年展、藝術節等等場合。其重要性在於這樣的創作手法有能力帶領觀眾去體驗很多當代藝術以及傳統設計領域無法編織出的敘事,而這樣的創作往往不只是物件的展示,更是需要結合工作坊、劇場表演、當代舞蹈等等實際的參與式活動讓觀眾參與,這種更為直接且純粹的經驗成為了一種探索烏托邦世界的很好的工具。台灣近年少有此類型的作品展出,因此希望透過這次展覽開啟這樣的作品與台灣地區更多對話的可能性。而此次展覽中的創作者皆為亞洲藝術家,因此在他們的未來敘事中更反應了不同於歐美西方世界中這類型作品的觀點。

除了展覽之外,參展藝術家會與伊日藝術空間與TW BioArt台灣生物藝術社群合作共同舉辦數個工作坊,像是「生物技術工作坊」會帶領學員用創意的方式去實際操作生物科技的技術,藉此去體驗科學與科技的文化面向;並透過「世界建構工作坊」讓學員能夠學習如何透過敘事與情境的建立,去探索未來的不同可能性。

合作單位介紹:TW BioArt 台灣生物藝術社群

http://bioart.tw/

TW BioArt是一個生物藝術的社群組織,以激發台灣地區的生物藝術與科學藝術實踐為目的,並與國際其他地區藝術與科學創作者對話。目前社群活動主要是網路上的資訊分享,以及不定期的實體聚會與交流,如DIY細菌培養工作坊、組織培養工作坊、幻想生物討論會、國際創作小聚、演講、藝術與科學人speed dating。藉由社群作為平台,除了提供生物藝術交流的機會之外,也群聚了一些多領域背景的參與者,漸漸產生一種不同領域與文化交流後突變的可能性,如科學與藝術的跨領域結合、生物技術的應用、文化性的科學評論、與文學式的科幻奇想等。

 

 

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