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YIRI ARTS 伊日美學

19.05.17 - ART NEWS | 藝術新聞

ART NEWS | 藝術新聞

編輯:葉柏昇

01

1.東京宮
Palais De Tokyo, Paris

以瞬間性的意外或是偶發事故作為題材,Taro Izumi的作品既荒誕又打趣。Taro Izumi剝去這些生活物件原有的功能性,建構出一個物件價值或功能可以隨意轉換的世界。利用了生活中的物件如桌、椅、墊子等,組合成包覆身體的容器,讓身體可以輕易地擺出運動員偶發的姿勢,不僅喜劇效果十足,也挑戰觀者觀看作品的框架。

Pan|Taro Izumi
2017.03.02-08.05
Palais De Tokyo, Paris

02

2. 澳洲國立美術館
National Gallery of Australia, Australia

Tapaya的作品常用破碎的元件構圖,象徵著流動的時間,觀者可以在這團迷宮般的畫作裡找到自己的旅程。討論的議題廣泛,從當代政治、社會現況、環境議題,最後談到來世。新作三聯幅「月亮、太陽、星星」像是一首詩、一個謎語,用古老的故事來隱喻菲律賓文化的訊息。

New art from the Philippines | Rodel Tapaya
2017.03.18-08.20
National Gallery of Australia, Australia

03

3. 西岸文化藝術示範區
West Bund, Shanghai

藝術家周力以近兩年的抽象繪畫作為本次展覽的核心。周力的作品很難被作為靜態的畫面去欣賞,反之,線條與空間是流動變化不止的,因此觀者也能從改變與作品的距離中,找尋與作品的親近感。周力的作品真實地呈現與自我的對話、擁抱生命、強調內心,其實回應的是中國古代哲學家所探詢的「良知」。同時忠於自己的内在體驗,用真實的生命記憶回應文化中最深邃的和諧。

白影|周力
2017.02.25-06.04
West Bund, Shanghai

04

4.新港街畫廊
Newport Street Gallery, London

此檔展覽將展出Bickerton 新舊作共五十餘件作品,充滿對比色彩的作品帶有批判當代消費行為的意味,從消費行為談到情慾流動。Bickerton持續透過不同藝術創作形式來研究「藝術物件」。Bickerton形容這些大量的象徵性作品可視為戲謔諷刺的劇本,最新系列的創作重新詮釋歷史上的種族不平等關係。

Ornamental Hysteria | Ashley Bickerton
2017.04.21-08.20
Newport Street Gallery, London

05.

5.格拉西宫 & 威尼斯海關大樓博物館
Palazzo Grassi & Punta della Dogana,Venezia

本次展出Damien Hirst近十年創作共190餘件作品,同時也是Damien Hirst自2004年後最大規模的一次展出。不少作品以名人及卡通作為雕塑主角,其中一件巨型雕塑作品“Demon with bowl”更高達近20公尺,雄偉壯觀。藝術家將部分作品置入海底歷經自然侵蝕,使其看起來像是沉沒在海底千年的珍寶。

Treasures from the Wreck of the Unbelievable |Damien Hirst
2017.04.9-12.03
Palazzo Grassi & Punta della Dogana,Venezia

06..

6. 賽維胡夫肯斯畫廊
Xavier Hufkens, Belguim

瑞典籍藝術家Nicolas Party的肖像畫或靜物畫通常刪去無關的細節以簡單的色塊與線條來呈現。Nicolas Party力圖追求呈現本質而非真實,因此,比起真實的呈現自然,更喜歡藉由顏色改變、物質改變來重新轉譯、詮釋。不只平面繪畫,更跨足於雕塑、裝置甚至是策展人的領域,熱衷於改變觀者如何被影響去觀看一件藝術品。

Three Seasons | Nicolas Party
2017.05.19-07.15
Xavier Hufkens, Belguim

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19.05.17 - Rich Emotions, and The Bracer Behind them|豐富的情感,以及它們背後的支持者

晨曦_50x78cm_木刻油印凸版_2016

豐富的情感,以及它們背後的支持者
Rich Emotions, and The Bracer Behind them

撰文:盧怡安

情緒張力飽滿的作品背後,除了有一位善感而樂於創作的藝術家之外,常常有一個角色,是一位支持者,能包容與撫慰情緒四處流動的藝術家。以游雅蘭骨子裡熱烈而奔放的版畫作品來說,這位支持者,就是母親鍾女士。

傳統的版畫,給人細膩的印象。顏色或多黑白,線條總是精微。畫面敘述性很高,具象的物件也很常見。然而,作品的情緒通常比較緊繃、拘束。

藝術家游雅蘭的木刻版畫,卻不是這樣。她擅長奔放的色彩,有時會出現銅綠一般的斑點,揉和鮮明而強烈的黃,然後遍地渲染上鈷藍色,會讓人聯想到以鈷藍釉發色的陶器一般,或深或淺的微妙色澤。細膩的小筆觸有,但更多的是斑斕的塊面印象。初看起來優雅安靜,但深入一探,裏層的情緒滿溢,湧動,熱烈,富有煽動的力量。

感覺上是一位情感豐富的藝術家。游雅蘭笑說,她是個常常想太多的人。然而我想正是這樣的她,容易感受到生活中突然湧流而出的片段感覺。比方說一小段電影畫面,一篇小說的情節,或是一幀照片給人的印象。她在一瞬間抓住了這些片段,會珍惜地把它們想盡辦法留住,意思就像是在腦海中將其「截圖」一樣。如果你曾在暗暗黑黑的電影院裡,看過一個人映照著螢幕上的微光,設法把剛才出現的細節,努力在筆記本上塗塗寫寫,那很有可能是她。

於是日本小說家渡邊淳一在「無影燈」這部作品中,描述在支笏湖跳湖自盡的主角,那種既熱愛生命又必須自殺的矛盾情緒,直接影響了游雅蘭的作品。或是近年名作家三浦紫苑的「強風吹拂」,筆下熱血而堅韌的驛傳接力賽跑者們,澎湃的情緒,也讓她創作出熱烈個性的作品。

把游雅蘭滿溢而出的情緒,都像用大桶子在下面接得正著的,是她的母親鍾女士。她是游雅蘭各方面的支撐。

「她總是盡量不把不高興帶給大家,把快樂留給大家。」她描述。母親會在游雅蘭緊張指數爆表的時候,像是考駕照之前,耐心的洗腦她:「妳都準備好了,就去做就好了。」或是在她二十五歲前,任由農家出身的這個女兒,闖蕩家人所陌生的藝術創作世界,溫柔的接住她各種情緒起伏。「每次回到家,就覺得HP(戰鬥力)被加滿。」游雅蘭說。

從旁觀者的角度來看,這才發現到,因為鍾女士,所以游雅蘭的作品中,才能出現在情感上彷彿無後顧之憂、只需要向前迸射的那種感染力。

比較令人遺憾的是,鍾女士一年多前過世了。但在木刻中找到療癒力量的游雅蘭,有了一種自我回復與調整的新模式。很期待過去在些許焦慮與得失心之中徘徊的她,在畫面上,能夠一樣奔放有力,但更加穩定堅韌,呈現出完全不同的新面貌。

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19.05.17 - One Piece Club:Two Generation|兩代收藏

2017-04-17 18-38-50

兩代收藏|One Piece Club:Two Generation

撰文:黃琳軒

「家」,不論在實體的建築結構或是在概念上,對於涂麗雅而言有著濃烈情感的深層意涵。從小與父親一起欣賞作品、看著父親收藏藝術品,畢業回國後與父親一起合作建案,直到擁有經濟基礎能與父親一起收藏。當人們在探討藝術收藏的價值時,涂麗雅已在藝術品之中找到藝術收藏延續的意義,她的藝術收藏與家庭之間的關係緊密地貼合著。

父親生肖屬馬,不論是在拍賣會上,或是在各地旅行時,會收集與馬相關的作品、雕塑或是小物件,即使是手工陶瓷作品也會直接從國外一路Hand carry回台灣,家中甚至有一整個櫃子來放置,完全是駿馬櫃!從小,父親會把她小時候的照片放大裱框,長大些會以麗「雅」的諧音,尋找「鴨」子或是家人生肖相關的作品。父親選擇作品的出發點都在於對家人的關懷,即使人在外地時也心繫著家中三位最愛的女人,同樣的題材怎麼買都不會膩,作品是能表達家人各種樣貌與相思之情的重要媒介,涂麗雅在回顧自己的收藏時,才發現不知不覺中受到父親的影響,收藏作品也多半都與「人」的意象相關,即使涂麗雅為父親所挑選的作品是幅幅的駿馬,都有著對於父親瀟灑溫柔的印象。

與藝術家一起成長

念書時會在國外各大美術館看展,以大量的閱覽居多,但當工作後開始累積經濟基礎,這幾年才開始認真踏入收藏的領域,逐漸形成自己的一套觀點。「藝術品會默默透露自己不為人知的一面,也可以看見自己從過去到現在的轉變。」有些人會是越收藏越知道自己要什麼,而涂麗雅是知道自己要什麼而不斷地在尋找它,對於「一見鍾情」的概念是難以抗拒的、激動的。當初在台北藝博會現場秒(速)掃(瞄)到藝術家賴威宇的作品就是這樣的感覺,「如獲至寶、錢擠出來也要買!」、「就是它!」的感受,就是收藏作品當下感動的心情!

從賴威宇過去小幅的創作,彷彿看見自己當時的生活寫照,但隨著觀察賴威宇的作品系列轉變,除了替藝術家深感喝采,也發現新作品呼應到收藏者自身心境上的轉變,涂麗雅當下意會,原來收藏當代藝術品相當有趣的一件事就是:「與藝術家一起成長!」以及藉由藝術品還可以回憶過往。

自己的家與藝術品

「現在的我把消費都集中放在藝術品上,大部分存下來的錢會拿來收藏,因為藝術品對一個空間、場所而言是相當重要的。」

從事建築行業,對於自己屋子的規劃要點很簡單:天花板與燈光設計、固定家具的裝修、藝術品。天花板的高度與設計會與燈具、光線的投射有關,會帶領整個空間的氛圍,也會影響未來擺放新收藏的作品的彈性程度;除此以外其餘全部留白,涂麗雅:「長輩早期在處理室內空間的時候會進行較為華美的裝修,對我而言,留白的空間是為置入藝術收藏。」留白是為擺放藝術品做準備,也能預留藝術品的觀賞距離,就像是生活,所有的美,都是在距離當中拿捏出彈性與力度的展現。

弘力真諦˙外部策展

與父親合作多年,「弘力真諦」這項建案是將許多自己多年累積下來的想法融入其中,並與伊日藝術合作外部策展。涂麗雅:「一般建案裝修的其中很重要的一環是擺放藝品,既然能擺放藝品為何我們不能擺放藝術品呢?」這些空間可能是大樓當中零散的空間,但如果能藉由藝術品一致的調性,把這些空間串連起來,那麼整棟樓的場域氣氛就能一併地被帶出來。「伊日藝術擁有當代、活力的特質,這點與我對於這項建案的期許不謀而合。」涂麗雅為這次的藝術與建築合作案挑選作品,一貫的態度如同以往挑選自己喜歡的作品:有家的溫暖、有時代的活力。

與小編笑談「藝術收藏的女力」的概念,涂麗雅表示:「女性對於建築這個比較鋼硬的產業來說,能夠發揮較為柔性的力量,去填補許多剛硬調性無法發揮的小所在,然而在這些小地方的用心,就能在各方面創造出很有獨特風味的氣質。」最後,涂麗雅堅定微笑:「對的事,我會一直堅持做下去。」,是的,不論建築、藝術收藏都是。

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19.05.17 - Elbphilharmonie Revisited |易北愛樂廳的再拜訪-藝術家眼中的愛樂廳

圖片 1
易北愛樂廳的再拜訪-藝術家眼中的愛樂廳 Elbphilharmonie Revisited

撰文:吳思薇

在要離開漢堡前的兩個小時,試著在這座一切都新的發亮的城市裡尋找不那麼典型的行程。在大街上撇見Deichtor Hallen的展覽廣告,還以為那個全世界最昂貴的易北愛樂廳,也像潮流般的附上一個建築展,預期走入看見一些建築團隊的草圖、模型、平立剖、材質測試等,屬於建築迷的學術展。不期不待的在雨中步行到展間,卻壓根沒料到“ Elbphilharmonie Revisited易北愛樂廳的再拜訪”其實是一檔來真的藝術策展。

策展人邀集了12位遊走在建築與視覺藝術邊界的藝術家,與打造Herzog & de MEURON易北藝術廳的建築師團隊共同合作。12位藝術家端出的作品,橫跨聲音、裝置、繪畫、攝影到文件。而議題面上,從公共及政治的面向、到建築工人於社會中的群像等,提供了別於一般對於建築學解釋的視角,小至一個個人,大至一種哲學思辨。就一個觀者而言,這展既不像典型的建築展,卻也不像一般命題艱深思考人類世的當代藝術展。

近年來許多奪人耳目的數位建築確實衝擊了,人類對於科技與視覺上的奇觀。許多時候以建築學的主流角度,告訴一般大眾,建築師如何構造理想世界,如何使用最新科技,提供使用者一個最理想也最好的生活方式,而其中的學問、研究、科技如何在建築師的巧思下完美結合,這是多數的建築展試圖告訴觀眾的事情。但在易北愛樂廳再拜訪的策展當中,僅有限的展出數幅愛樂廳的實體攝影、將建築模型放入像是標本櫃的玻璃展櫃中,再無其他解釋。剩下的空間,便是12位背景迥異的藝術家則提供給觀眾另類的、理解建築的方式。

在開展前兩個月,阿根廷籍藝術家Tomás Saraceno運來兩隻大約掌心大的人面蜘蛛進行現地創作,建構了以鐵桿組合成的立方體,架上收音器材,兩隻蜘蛛在其上輪流不停結網,輪替的時候蜘蛛會破壞另一隻蜘蛛的成果。在現場觀看時,蜘蛛網已經被建構的非常繁複,甚至其中一面網連續的輪廓就像是易北愛樂廳的天際線。而當蜘蛛在網上移動時,蜘蛛網被震動的音響,被即時收音且被放大播出。這件作品被命名為Arachno Concert(蜘蛛演唱會),觀眾可以聽見蜘蛛結網時產生的現場演出,而在這件作品前的觀眾,也恍若站在一個進行中的工地現場。

而另一件巨型裝置,造型模擬縮小的易北愛樂廳,卻全由易北藝術廳建築過程中產生的回收廢料所構成。若用最直接的方式感受這件作品,像是一記挖苦,巨型的無機垃圾。這件作品是由比利時藝術家Peter Buggenhout為此次展出的特別製作(台灣觀眾或許對他更有印象的是在2014年台北雙年展中,展出〈盲人引領盲人〉的系列作品。)而現場這座15公尺高的巨型裝置,人在不算小的展廳中,仍要抬頭仰望。將一座費資千億的劃時代建築物,以其製作生產中的廢棄物加以擬像。這樣尖銳的對立,除了心理直觀的衝擊外,更是將兩者的差異對比,說是挖苦或是嘲諷當然簡單,但,不如看作是一種記憶的斷裂、正常的失序、或是日常的崩壞,以喚醒某種直覺式的情緒震動。

在展場的另一角落,來自威尼斯的女性藝術家Monica Bonvicini,發下一份問卷,給參與此次工程的建築工人“你的女友/老婆是如何看待你的工作的?”由於參與工程的建築包工來自不同國籍,問卷也自然以不同語言被呈現,藝術家將蒐集而來的問卷以素樸的框裱上,無間隙的掛上視平線的展牆上。像這樣有如人類學田野調查般的資訊,邊行進邊閱讀的緩慢過程中,將原來隱形於偉大建築誕生的事件下的個人,重新顯影了。

總的來說,這個特殊的策展為無論對於藝術或是建築,都帶來了一些有意思的觀點,好像這個劃時代的愛樂廳神話不再那麼完美無瑕般的偉大,除了資金中斷工程卡關的困難以外,我們還有各種角度可以加以理解。每一個到漢堡來玩的觀光客,或許都會到易北藝術廳中一探究竟,排上長長的隊伍領取免費的入場票,在預定的時間現身入口,搭上宛如要進入未來的緩慢而近似無限的手扶梯。
這個共同經驗,則更使得此次看展的觀眾,難得的體驗與展出藝術家達成某種共通的理解,而藝術家針對這個主題所做出的作品,似乎顯得離觀眾特別的近,甚至許多觀眾還沒走到近得足以閱讀到作品標題或理念前,就聽見共鳴的笑聲。這個難得的策展設定,之於藝術、之於建築都得以突破某種既定的結界,使得觀眾獲得了特別新鮮的觀展體驗。

完全不無聊的展出看完,讓人不經想問這座號稱史上音響效果最好的愛樂廳,除了被扁平的理解為人造工程的世界奇觀外,還可以被識別成什麼。而再往遠一點看,或者這個策展更大的野心是在討論,建築之於社會或是個人,還能被理解、被想像、被思考成什麼?

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19.05.17 - Cocido Madrileño|提森美術館

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提森美術館:西洋美術史的Cocido Madrileño

撰文:張智凱

西班牙首都馬德里有三間世界級的美術館,提森・博內米薩是唯一由私人收藏作為館藏展出的美術館。作品涵蓋了12世紀的宗教繪畫到20世紀的現代作品,現下美術館基金會也繼續運作挖掘當代有潛力的藝術家。館內收藏的作品儼然就是一部精裝本的西洋美術史,濃縮了整個歐洲藝術的精華,就像那道西班牙傳統甕窯燉肉湯,文火慢煲保留了歐洲文明的底蘊。

如果用烹調備料的角度來看,入口走上二樓的前三間展廳無疑是這甕燉湯最重要的基底材料。展間牆上錯落著一幅又一幅精緻的宗教繪畫,讚揚著中古世紀人們對神的敬畏和信仰的虔誠。西洋美術史前期的重要作品無非不繞著宗教議題打轉,從聖母與聖子、到無名畫師的《最後的晚餐》,藝術為宗教服務的脈絡從畫作中的大量金漆和繁複的裝飾框中顯而易見。這個時期的藝術創作主題單一卻是奠基日後西洋藝術史各個流派與思想解放的重要積累,所以才猶如湯底的骨幹,如果沒有經歷過這段釀陳,也就不會有後續藝術思潮不斷顛覆的轉變。

料都備齊了後就得放入準備好的容器,當然不能是快煮鍋而必須是傳統老甕。就像一開始的三個展間逛完,左轉進入的一排長廊跟一個個文藝復興時期的展間那樣。文藝復興為的是找回歐洲中世紀黑暗時代前古典文明的榮光,並將藝術關注的角度導向人文與當下的現實。所以傳統古典的學說被重新挖掘出來,同時揉雜了當時的思想。繪畫上的透視技法讓平面畫作有了更深的想像與廣度。如維托雷·卡爾帕喬的《風景中的年輕騎士》,畫中蜿蜒的泥徑透視到遠方的河岸,主題中也淡化了宗教色彩轉而入世的關注;還有著名的畫家卡拉瓦喬《亞歷山大的聖凱薩琳》中將宗教象徵降至低限,反而運用光影鋪陳營造了俗世的救贖氛圍。15世紀在北義大利發起的文藝復興運動便慢慢地拓展到整個歐洲,也對近代的藝術表現形式起了關鍵作用,例如威尼斯畫派的Greco(葛雷柯),畫作中人物的變形概念在後續幾個世紀後的的表現主義中備受推崇和運用。這一段回朔既往的歷程,讓藝術的理論及技法在考究古典的烘托下,往前躍進了一大步。

經過約莫兩個世紀醞釀的湯底已經完成了。濃郁的湯頭就像是17世紀風行的浪漫巴洛克主義,但品嚐久了會感到過於甜膩,得搭配甕裡的燉材和調味料調整成自己喜歡的口味,於是18世紀末到19世紀中期風行比較清爽的自然主義繪畫和寫實主義,不過分強調情感上的表現,著重在現實、生活層面的描寫,作品焦點也從以前的宗教權貴轉向庶民日常;偏好更精準調味的人提出顛覆傳統調色畫法的技巧,用科學精神分析光色刮起了19後半甚至影響了現代主義藝術的印象派炫風,這時也是歐洲繪畫開始從寫實轉入了抽象的一個轉捩點。而不同的喜好造就了後續更多的味覺層次,像是20世紀的表現主義、野獸派,參雜更濃烈的個人風格跟視覺語彙在其中,如馬蒂斯《The Yellow Flowers》下筆俐落、大塊寫意的花朵,搶眼的用色,再如抽象先鋒康丁斯基自我的構圖造型,或辛辣程度破表的超現實主義,看達利《醒來前一秒由一只繞著石榴飛舞的蜜蜂引起的夢境》小小尺幅的畫作給我們帶來多少震撼。每一個人都可以依據各自的喜好找尋自己最愛的藝術美味。

走過戰後藝術以及Pop Art,我們會再度回到入口大廳,同時發現館方細心的把美術館創始人夫妻的巨幅肖像畫設置在走往二樓的牆面上。謙虛地在最後出面才跟我們這些饕客打聲招呼,以一種主廚自豪且從容的笑容看著我們,目送我們在品嚐過一鍋精緻充實的藝術饗宴後心滿意足的離開。

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19.05.17 - Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía|索菲婭王妃藝術中心

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索菲婭王妃藝術中心
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

撰文:蘇泳升

在西班牙馬德里,位於沿著普拉多大道的藝術金三角(Triángulo del Arte auch Triángulo de Oro):普拉多美術館(Museo Nacional Del Prado)、提森.波尼米薩美術館(Museo Thyssen-Bornemisza)、索菲婭王妃藝術中心(Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía)。其中,若將普拉多美術館比喻為古典藝術的寶庫,另一角的索菲婭王妃藝術中心是現代與當代藝術匯集的天堂。

索菲婭王妃藝術中心(Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía)是西班牙馬德里的一座國立藝術中心,以西班牙王妃索菲婭的名稱來命名。在1990年時開始改建、1992年正式開幕成為現在的索菲婭藝術中心,也是當今世界最大的藝術博物館之一。藝術中心所在地在18世紀末原是一座醫院,1980年開始進行廣泛的現代裝修。1988年部分向公眾開放,同年成為國家博物館。2005年10月開始,由獲得2008年普立茲克獎的法國建築師讓·努維爾(Jean Nouvel)設計,耗資上千萬歐元的擴建工程開幕。古代醫院簡潔的室內空間倒是十分適合展示現代藝術作品,而平淡的古建築正立面一經添加了兩個全透明的玻璃電梯樓,即是鑲上了鮮明的現代藝術標記。整個建築量體為新古典主義風格,但量體中部的電梯卻是採用先鋒派設計,非常引人注目。

而藝術中心是以收藏西班牙藝術品為主,其中最富知名的是20世紀的兩位西班牙大師:巴勃羅•畢卡索與薩爾瓦多•達利的作品。藝術中心有超過18,000件的館藏,近幾年重新新整理了其館藏,打造出一條更能展現藝術中心不同特點的參觀線路。像是超現實主義、1937年共和國館、50年代西班牙的非正式藝術等。若想要在馬德里,體驗一個充滿藝術氣息的午後,索菲婭王妃藝術中心與錯落在附近小巷弄中的畫廊,將會是個很棒的選擇!

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19.05.17 - Visit Prado Museum again and again |重遊普拉多

塵世樂園三聯畫

重遊普拉多|Visit Prado Museum again and again

撰文:陳聖文

旅行如品酒。第一次的旅行如觀色,透過外觀的顏色與光澤,描繪充滿未知的味覺輪廓;二次的拜訪有如鼻嗅,空氣中的新鮮感酸中帶澀,香氣毫不留情地直衝腦門,微醺的初戀感暈成一次次的鼻息;三次的再訪則如口嚐,舌尖上的酸甜苦澀交織成一段圓舞曲,在臉龐上舞成兩頰粉紅,令人怦然心動意猶未盡。

擠身世界三大博物館,與法國羅浮宮、英國大英博物館並列,網羅了十四至十九世紀大師的傑出作品,儘管館藏規模不及許多博物館,但收藏質量卻遠遠勝出,列舉拉斐爾、米開朗基羅、魯本斯、堤香、丁托列多、林布蘭、葛雷柯皆是館藏中重要的大師。同時普拉多館藏了世上最多的維拉斯奎茲、哥雅與博斯的作品,不僅完整代表了三位大師的一生,更鞏固了普拉多美術館屹立不搖的重要地位。
走進了半弧形展覽大廳,朱紅色的展牆幾乎奪走所有目光,12尊阿波羅謬思女神坐落在羅馬柱前,純淨莊嚴的姿態與灑落的光線相襯,搭配著仰角的視線,呈現出了難以言喻的神聖畫面。

在清一色古典作品的館藏中,博斯(El Bosco)的作品看似有些不同調,不單只在於他的鮮豔大膽的用色,未來感的氛圍與超現實的構圖都開拓了繪畫史的新格局。代表作塵世樂園三聯畫(Tríptico del jardín de las delicias),看似歡樂的樂土,卻因為扭曲的形體與不合理的比例,增添了許多不安的氣氛;而理性與野性、天堂與地獄、善與惡的轉化切換,也透過線條與符號表露無遺;與其說博思是個瘋子異教徒,他或

許更像是心理學家,剖析宗教支配下最根本的人性與慾望。
挑高的二樓白色環形大廳呼其歷史地位與重要性,被譽為維拉斯奎茲( Velázquez)最高成就的小宮女(Las Meninas),其巧妙的構圖與錯位的透視法,都讓畫作不單單只是簡單的肖像畫;其鏡子內反射的除了君主中心的權威光環,藝術家的企圖與佈局也都一次次地被觀者所驚嘆著。

哥雅(Francisco Goya)的作品風格多變,卻不難看出他下筆與捕捉剎那神情的精準。作品從三樓展間田居的恣意生活,到一樓展間的黑暗時期,哥雅將自身的生活經驗與心理狀態毫無保留地訴諸畫布。看著1808年5月3日(The Third of May 1808)和神農吞噬其子(Saturno devorando a un hijo),體會他內心揮之不去的煎熬與抑鬱;然而,卻選擇以波爾多的賣牛奶姑娘(La lechera de Burdeos)的淺淺一笑,留下對於人世最後的寬容與釋懷。

二度拜訪馬德里,四度流連在普拉多美術館。對於馬德里,踏過的每個石造街巷、相遇的每位陌生臉孔、品嚐過的每份異國佳餚,都讓我更加陶醉於這座城市;而普拉多美術館帶給我的感動,絕對是我會再訪的原因。

離開時已經西斜,特別走到了哥雅的雕像前瞻仰。陽光灑在雕像的右側臉,反射著眼神裡的堅毅與執著,娓娓道著自己的故事。昏黃街燈的聚焦下,這份情感伴隨著5度的冷冽總讓我感到格外的暖。

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19.05.17 - Get Facebook out of exhibitions|手機與臉書禁止進入

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手機與臉書禁止進入|Get Facebook out of exhibitions

撰文:王若鈞

「小心!」我大叫後一把拉住朋友,避免了一場意外。

事情發生在四月剛落幕的「teamLab:舞動!藝術展&學習!未來の遊園地」展覽場地,我和一群朋友在大太陽下曝曬排隊半個多小時之後,好不容易擠了進去。

像是跨年演唱會的人潮,展場塞滿觀展的大小朋友,而就在第一個展間,我們就見識到什麼叫做「整個展場都是我的攝影棚」。或躺或臥,自拍風、時尚風、憂鬱風、狂野風,精彩程度直逼多彩絢麗的作品本身。「我要換個角度在拍一張」、「要拍到蝴蝶從臉上飛過去唷」、「錯位的感覺你知道的嘛」、「你穿白色衣服真是穿對了呀」等族繁不及備載的指令,套句以前國文課本經常出現的老派形容,這一切真是好不熱鬧啊!
想盡量排除嘈雜的干擾,在光源不足的展間讀著創作理念,並研究展呈方式和互動形態,瞬間目光隨著投影的花瓣飄向地面,然後大聲叫了句小心,制止友人的前進。

好在我這位身高超過180公分、體重飆破90公斤的友人收腳得快,否則他將一腳踩爆那個躺在地上拍照女孩的頭!放心,那女孩兒毫髮無傷安全無虞,黑暗中見她不慌不忙地起身,前往下一個展間繼續她的模特生涯。

先說好唷,對於teamLab這個成立近17年的超強團隊,和這次看似「小型回顧展」的展覽,我始終抱持著非、常、正、面的態度,無論是從程式編寫、演算技術、新科技應用,到藝術表現、美學創意、多感官結合、新媒體互動的意識形態,甚至是上述各類的相互融合和主旨體現,都令人驚艷讚嘆,而最值得花時間和力氣深入討論的,是他們在跨領域合作過程中,逐漸發展並日趨完整的世界觀。但請先讓我罵罵人,下期再好好談談多媒體互動裝置的可能性。

有人說台灣的普羅大眾沒有美學養成的經驗,加上使用者付費的概念相對薄弱,所以無法培養參與藝文展演活動的消費習慣。
其實台灣人不是不愛展演,而是不愛不能拍照的展演!在拍照、上傳、打卡的標準三步驟之前,最好能先用Instagram調整一下風格和顏色,再配上不知所云的文青台詞,在當下比起作品的欣賞,更重要的是check按讚人數的增加,有人甚至還誇張到給我開始臉書直播,這不是討罵,什麼才是討罵?!

這是一個非常簡單的對比:大小朋友們在展場裡興奮地橫衝直撞,看個自己繪製的車子和海底生物在螢幕上悠游,或搭建自己的城市和交通建設,或滾動著光球彈奏樂曲,或經由肢體動作塗鴉大自然,這些都是展場裡「有意義」的互動,即便他們不小心撞到人或聲音大了點,都不會造成觀展品質的影響,反而強化舞動和學習的遊園地概念。而那些自以為在拍寫真集的男女偶像們,在較為黑暗的展場裡以手機和臉書等社群媒體當成分享介面,而非體驗作品的內容或感受思想的傳遞,統稱為「無意義」的互動,不僅造成空間使用上的危險,更對他人的互動體驗過程造成極大的干擾。

想問的是,就算幾百人甚至破千人按讚,然後呢?虛擬的臉書人生看起來無比燦爛,但你從這個展覽裡看到了什麼,或得到了什麼呢?
如果可以,真心希望所有展演現場,都能防禦手機和臉書的入侵。

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19.05.17 - Trans-disciplinary|弘力建設 × 伊日藝術 跨業合作聯展

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弘力建設 × 伊日藝術 跨業合作聯展

撰文:郭書殷

「建築,不該是一成不變的材料堆砌,而是如同藝術家創作,充滿新意與生命力,為空間注入生活美學,與光影翩然共舞,將建築化為一首律動之詩,完整對美的信仰。」-弘力建設

陽光、空氣、水 Sun、Air、Water
伊日藝術首次跨業與高雄弘力建設合作展出,以自然意象為主題,替弘力建設最新落成之建案「弘力真諦」注入一股不同於以往的生活美學。弘力建設以山水入建築,陽光、空氣、水,即是他們在空間中的基本訴求,自然璞真的空間,讓返家的人們猶如徜徉在山林中般舒適安祥。蘇格拉底曾說:「在這個世界上,除了陽光、空氣、水和笑容,我們還需要什麼呢!」踏進他們的空間,感受到的不只是精湛的建築設計,而是從心流瀉而出的家庭暖流,及業主體貼用心的溫度。

替日常注入美感 Bring Beauty to The Daily Life
長久以來我們一直推動著日常美術館的概念,「讓藝術走進生活,使生活充滿藝術」,也因為這個夢想,我們嘗試從各種角度進行展覽計畫。本次的跨業合作展覽由吳敏興、陳文立、張驊三位藝術家聯合展出。藝術家吳敏興的創作帶有強烈而溫煦的裝飾性筆觸,經營小人物系列中吳式風格的人間浮世繪:脫離地心引力,如孩童般完全解放了的人物與空間,像是亞熱帶小島的熱烈夏陽,畫面閃爍著質樸純真的色彩及日常中平凡而耀眼的小光景;藝術家陳文立以中國傳統盆景文化中的植物、山、石、水、土等為元素,揉合自畫像形構出植栽的樣貌,映照內心與社會現實的相互磨合,以陳氏盆景開創出專屬於陳文立的當代水墨創作語彙;藝術家張驊擅長將記憶一段段地鑲嵌及串連,畫面中宛如回憶斑駁的特殊技巧,是藝術家獨特的語彙,將風景解構再抒發,精確地喚起觀者對事物的經驗與感受。

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19.05.17 - A Survival Guide to Icebreaker|破冰指南

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破冰指南 A Survival Guide to Icebreaker|林子桓個展Lin Tzu-Huan Solo Exhibition

撰文:林子桓

科學家推斷恐龍是由於氣候的改變,造成恐龍們無法適應而滅絕。生存下來的只有能調節體溫的哺乳類。時空轉移到當今的人類社會,這個社會中存在著社交的活動。社交的能力決定在社會上的地位,這是人類生存的危機。如果無法在社交場合中適應,很容易就面臨絕種,那要如何做好社交?尋找同溫層的談話對象是最基本的生存法則,你可以透過喝啤酒降溫,舞動你的身體升溫。

這最初如玩笑般的想法成為這整個作品的核心,然而這只是表面上的連結。向核心去探討後我開始研究科學與想像的關係,如何用科學去套入生活中的想像,這似乎解決了我長期對藝術的問題。每當我看見好的藝術品時總是覺得心中滿滿的,看完甚至都不用吃飯了!這樣的感受,一直在我心中無法解釋為什麼。假設,每個人都是充滿能量的,能量能夠傳遞,像是笑容給人正面能量等等。於是藝術家透過雕塑與繪畫將能量傳遞到藝術品中,這些能量再透過藝術品傳遞給觀者。然而能量是會消耗的,越好的藝術品就能乘載越多的能量,同時越虔誠的信徒就能感受到更多的能量。如此思考似乎就能解決我的藝術的疑問。

回到「破冰指南」,故事的主角是一名藝術的愛好者,走進藝廊嘗試著想要融入這個環境。不知所措的他,幻想一個科學家用各種科學理論去引導他如何執行社交行為。科學家帶領著他試著與一位長期在藝廊工作的女性對話,試圖用理論解釋對話的過程,用藝術開啟話題融入這個環境。

卡爾維諾充滿想像力的故事建立在扎實的科學理論上,透過概念性的陳述衍生視覺意象。失去科學根基的故事只是不著邊際的天馬行空,如2D的點線面連結相較於3D的向下挖掘出事物的各種面向。「破冰指南」透過各種科學理論,引導社交上各種事件。即便說是科學但其實是透過藝術家穿鑿附會,所產生的偽科學。透過分析社交與熱力學:太極推手、能量轉移;封閉、開放系統的關係,最終提及藝術的能量如何昇華而產生對藝術的信仰。

科學與藝術
科學與藝術的組合非常有趣,他們想有類似的產生手法,但同時又是大眾印象種相異的兩者。對我來說兩者皆不是在創造什麼東西,與其說是創作者不如說是連結者。我們都試圖的在已知的世界中找尋著某種不同於日常的角度,這跳脫日常的角度可以是兩個角度的相加或是拓展一個角度的肯能性。於是我們把兩個看是不相干的事件連結,試圖用那蹦出的火花去讓觀眾感受到特別的東西。但因為每個人的生活經歷不同也許能打動對方也許不能,期望有天能有人能從這藝術或是科學中得到一些特別的東西。

表演
大部分人都懶得社交,甚至視社交為嬌柔造作的負面行為。我們心目中放蕩不羈,多愁善感的藝術家當然更不可能去社交。然而,只要你待在這個藝術圈就會發現這不過是大社會的縮影,越會經營自己的藝術家越能夠順利的生存下來。這其實不難理解,貨幣的價值建立在信仰上,如果我們都不相信新台幣,新台幣自然就不值錢。資本主義社會下,藝術家的價值在哪?如何讓觀眾相信你?藝術家必須先相信自己是藝術家才行,從頭到腳的信,展現出你身為藝術家,身為一個特別商品的價值,即便是演出來的也要表現得完美。然而專業的演員也需要長久的訓練, 這個社交場合就是最好的練習舞台。像是魔術一樣,即便你知道這是假的不是真的魔法,你還是願意掏錢去交換那驚奇。

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